whitehouse

Whitehouse (William Bennett y Philip Best), desde su formación en Londres en 1980, han liderado la facción más extrema, brutal y tóxica de esa electrónica ruidista de la que sin duda han sido pioneros (la misma que después ha tenido en Japón a sus mejores seguidores). Con una extensa carrera discográfica a sus espaldas expuesta en 18 álbumes (recopilaciones aparte), desde el seminal "Birthdeath Experience" (1980) hasta su reciente "Asceticists" aparecido en este mismo año 2006 (en el que se muestran -por cierto- en plena forma), la trayectoria sónica/vital de Whitehouse es un guiño contínuo a la catarsis por medio del ruido extremo y la manipulación. No han cesado ni un instante en su terquedad inmisericorde para con los oídos ajenos. Son así veintiseis años de actuaciones/performances/aquelarres llenos de provocación y caos, rebasando todos los límites con toneladas de ruido blanco y rosa como tsunami/tarjeta subsónica de presentación: acciones de terrorismo sobreamplificado, violencia vocal y cacofonías electrónicas terminales... ¿Quién da más?
Sólo citar su nombre altera el sistema nervioso. Y es que Whitehouse han sido responsables de algunos de los momentos sonoros más extremos que ha deparado la música (o lo que sea o cómo se llame) a lo largo de toda su historia grabada. Mientras por ejemplo uno se deja arrasar la salud auditiva por los doce minutos de coma electrónico de "Daddo" (incluido en su álbum de 1998 "Mummy And Daddy") o sin ir más lejos por las frecuencias asesinas que acompañan a William Bennett en "Guru" (de su último disco "Asceticists"), se acaba comprendiendo que estamos hablando de una maquinaria capaz de hacer añicos el "Metal Machine Music" de Lou Reed. Va mucho más allá, sobrecoge los oídos con más virulencia y capacidad de esculpir en el dolor del ruido una materia física que ha servido de modelo para aventajados investigadores en la materia como Merzbow o Bruce Gilbert (Wire).
Pero habría que empezar por recordar cómo esta factoría de transgresión acústica se encendió en los primeros días de 1980 de la mano de William Bennett (a la edad de 18 años). Antes, en 1978, fue Daniel Miller (The Normal en aquellos tiempos, capo del sello Mute para la historia) quién animó a Bennett en su idea de crear un sonido/dominátrix capaz de someter al público hasta la sumisión total. Armado con un viejo sintetizador absolutamente incontrolable, Bennett acabaría por crear ese sonido que daría forma finalmente a Whitehouse, pero que antes alumbró a Come como paso previo para lo que llegaría después.
Come fue así el proyecto puente que Bennett parió en 1979 con la complicidad del propio Daniel Miller y Peter McKay, dando lugar no sólo en 1980 al inicio de Whitehouse sino antes a la creación de Come Organisation (también en el 79), sello discográfico destinado en principio a editar el material de Come y después ya dedicado a la música electrónica extrema y en especial a Whitehouse. Come Organisation dejaría de funcionar en 1985, tras la publicación del mítico álbum "Great White Death", en buena medida por la disolución temporal de Whitehouse que se produjo entonces. Volviendo a Come, que por cierto nunca actuaron en directo, el grupo editaría el LP "Rampton" en aquel 1979 y aún saldría después de su desaparición otro álbum, "I'm Jack", aparecido en 1981. Pero en realidad en 1980 el proyecto ya había dejado de existir para dar paso a la creación por parte de Bennett de Whitehouse... Un nombre que surgió a partir de un juego de palabras: Whitehouse era a la vez el nombre de una revista porno y el apellido de Mary, una activista inglesa, ya muerta, en permanente cruzada contra la proliferación de "basura" en la televisión y otros medios.
Su debut discográfico no pudo ser más brutal: "Birthdeath Experience" (LP, 1980, como todos sus discos hasta 1985 editado por Come Organisation) fue un exorcismo sónico expuesto en seis temas que ya forman parte de la leyenda negra del noise electrónico: "On Top", "Mindphaser", "Rock And Roll", "The Second Coming", "Coitus" y "Birthdeath Experience"... Sin tregua alguna tras semejante declaración de intenciones, llegó de inmediato su continuación en "Total Sex" (también en 1980) con otras seis piezas clásicas del terror ruidista: "Total Sex", "Phaseday", "Dominate You", "Politics", "Roller Coaster" y "Ultrasadism". En 1981 la productividad de Bennett se desborda aún más. Tres nuevos LPs en un solo año dando lugar a una progresiva escalada de torturas sonoras pareja al nivel de influencia que Whitehouse iba adquiriendo entre futuras generaciones de músicos ruidistas: "Erector", "Dedicated to Peter Kürten" y el que supone el quinto álbum de su discografía, "Buchenwald"... Hoy, sin ir más lejos, se puede afirmar que "Dedicated to Peter Kürten", su cuarto LP, suena todavía como uno de los más extremos y brutales discos electrónicos jamás realizados.
Con la edición de "New Britain" en 1982 se cierra un primer ciclo, marcado por estos seis LPs producidos todos por William Bennett y Peter McKay. Es entonces cuando Peter Sotos y Philip Best se unieron al proyecto. Sotos, actualmente residente en Chicago, ha llegado a tener una cierta notoriedad como escritor de algunos libros underground como "Index" y "Total Abuse". Por su parte Philip Best (Consumer Electronics), que se unió a la banda con sólo 14 años de edad, es hoy el 50% del proyecto Whitehouse.
1982 también vió la primera live action de Whitehouse (en Londres) y la edición de un nuevo álbum: "Psychopathia Sexualis". Un año más tarde publicarían "Right To Kill", del que se prensarían menos de 300 copias, siendo prácticamente una edición clandestina, trabajo previo a la aparición en Febrero de 1985 del clásico y maestro "Great White Death". Grabado en Noviembre del 84, "Great White Death" culmina sin respiro, hasta la extenuación, el proceso de corrosión electrónica iniciado en 1980.
Tras la desaparición de Come Organisation en 1985 hay una período de inactividad hasta que en 1988 es creado en Chicago (en el estudio de Steve Albini) el sello Susan Lawly durante las sesiones de grabación del que luego sería su álbum "Thank Your Lucky Stars" (1990). La primera referencia de Susan Lawly fue el single 7" "Thank Your Lucky Stars / Sadist" (1988; "Thank Your Lucky Stars" co-escrita por Bennett y Dave Tibet) al que le seguiría la compilación "Cream Of The Second Coming" ya en 1990.
Tras "Thank Your Lucky Stars" (1990) Whitehouse publican cinco álbumes más a lo largo de los siguientes siete años: "Twice Is Not Enough" (editado en Enero de 1992), "Never Forget Death" (1992), "Halogen" (1994), éste de nuevo coproducido en Chicago con Steve Albini, lo mismo que el siguiente "Quality Time" (1995)...; y finalmente, cerrando la década de los 90, el antes citado "Mummy And Daddy" (1998).
El nuevo siglo les mantiene vivos y peligrosos. Produciendo nuevo material, actuando con sorprendente frecuencia, atosigando e incordiando mentes acomodaticias. "Cruise" (2001, último trabajo oficial con Peter Sotos, que queda fuera de Whitehouse a finales de 2002) y "Bird Seed" (2003), que presentaba unos apuntes de evolución insospechados, son buena muestra de ello. La participación aún de Sotos en el tema que daba titulo a "Bird Seed", utilizando elementos externos, testimonios directos grabados sobre el maltrato doméstico, violaciones a menores, etc... tiene un efecto sencillamente devastador... Del mismo modo que "Cut Hands Has The Solution", el siguiente tema, conducía a Whitehouse a un minimalismo tan sorprendente como la soberbia utilización aquí hecha de las voces.
Y vuelta al principio, a 2006 y a la reciente edición de su último e inapelable álbum, "Asceticists", con siete temas que nos dan su dimensión real hoy en día. William Bennett (voces, instrumentos, Sony) y Philip Best (voces, instrumentos, Roland) triturando esquemas preconcebidos para facturar la clase de electroterror que hoy habría que esperar de unos Whitehouse fieles por encima de todo a su propia razón de ser, pero también en una cierta progresión que abre nuevas dimensiones a su violencia sonora. Subterráneas secuencias rítmicas, ruidismo minimalista, una complejidad latente en el muro electrónico que suda bajo las voces. "Dans", "Language Recovery", "Guru", el instrumental "Nzambi Ia Lufua", "Killing Hurts Give You The Secrets", "Ruthless Babysitting" y "Dumping The Fucking Rubbish" suenan contemporáneos, caóticamente contemporáneos...
William Bennett: "The wider personal reactions we elicit are undoubtedly an integral aspect of the art itself. It's designed to create intense reactions, and is thus extremely revealing. In this way, we look into a mirror reflecting our own, occasionally troubled, souls".
Más información Whitehouse: www.susanlawly.com - http://www.neox.demon.co.uk/whitehouse/index.html
Sábado 7 de Octubre - 22 h Exp'06 Programación

carter tutti

fotos: CTI

La presencia de Chris Carter y Cosey Fanni Tutti (Carter Tutti, antes Chris & Cosey) en Experimentaclub'06 nos conecta de inmediato, como ya sucediera en 2005 de la mano entonces de Psychic TV, con el nombre absolutamente imprescindible de Throbbing Gristle. Creados en 1975 por Chris Carter, Cosey Fanni Tutti, Peter Christopherson y Genesis P-Orridge, Throbbing Gristle revolucionaron la música experimental y electrónica del futuro, asimilando las maniobras de bandas ya clásicas como Faust para inventar a continuación un nuevo código sonoro, tóxico y contaminante como nunca hasta entonces había existido. Sintetizadores, cajas de ritmo, secuenciadores, cintas, efectos…; y bajo, guitarras, violines…; todo dispuesto para acometer ultraviolentos asaltos auditivos, fangos sonoros próximos a visionarios como William S. Burroughs y ultrapsicodélicos aquelarres conectados con Charles Manson… De toda esta barbarie queda testimonio sonoro en sus dos primeros LPs, "The Second Annual Report" (Industrial Records, 1977) y "D.O.A The Third And Final Report" (Industrial Records, 1978). Y también del sorprendente oasis de engañosa suavidad expuesta en forma de electromuzak en un álbum tan necesario e influyente como fue su tercer trabajo, el inolvidable "20 Jazz Funk Greats" (Industrial Records, 1979).
Throbbing Gristle se disolvieron en 1981 dando origen de un lado a Psychic TV (Genesis P-Orridge y Peter Christopherson junto a Alex Fergusson) y del otro al dúo formado por Chris Carter y Cosey Fanni Tutti, quiénes tras firmar un contrato con Rough Trade publican en ese mismo año su primer álbum como Chris & Cosey, "Heartbeat" (LP, Rough Trade), dando inicio así a la que será una sobresaliente e influyente carrera que ya ha cumplido 25 años buceando entre los límites más abruptos y esquivos del techno y la electrónica sin etiquetas: electro-hormigón, oscuridad, flotantes colchones ambientales, melodías apenas insinuadas...; espacio para manipular y combinar, para que desde ese primer momento su mosaico sonoro se alimentara fundiendo en un sólido armazón secuencias electrónicas, sampling y pulsión rítmica de un lado con las voces de Cosey, la corneta y las guitarras del otro.
Su trabajo, absolutamente reconocible y personal, ha hecho que numerosos artistas hayan considerado siempre a Chris & Cosey como uno de los nombres de mayor influencia en la electrónica generada a partir de los 80. No es para menos. Durante esa década el dúo facturó discos tan innovadores y llenos de hallazgos como el totémico "Trance" (LP, Rough Trade, 1982), ese clásico del techno-pop que fue el maxi "October (Love Song)" (Rough Trade, 1983) o sus álbumes "Songs Of Love & Lust" y "Techno Primitiv" (Rough Trade, respectivamente 1984 y 1985), verdaderos filones de techno claustrofóbico y obsesivo conviviendo con paréntesis de luminosidad pop.
De toda esta producción sin desperdicio, auténtica biblia negra de los sonidos technopopindustriales, quizá sean "Trance" (con joyas de psychoelectro como "Impulse" y "Lost") y "Techno Primitiv", este último incluso por su portada y contraportada llenas de fetiches electroanalógicos, presentando temas tan adictivos como "Hazey Daze", "Shivers" o el misterioso "Do Or Die", los trabajos que más poso han dejado en años posteriores. Ambos son de esos discos que uno samplearía de principio a final capturando loops con ese aroma inconfundible de las cajas de ritmos y los teclados del avant-techno y el synth-pop producidos a mediados de los 80.
Tras la edición en 1987 de "Exotika" (CD, Play It Again Sam, 1987), el cambio de década y su consiguiente aterrizaje en los 90 llega tras editar "Trust" (CD, Play It Again Sam, 1989): más electro-oscuridad en temas como "Deep Velvet" o "The Ring" -con la voz de Cosey subiendo de plano- y rítmica obsesiva en "Percusex". Ya en 1992 Carter y Tutti deciden reducir drásticamente sus apariciones en directo para concentrarse especialmente en el trabajo en estudio además de en sus propios proyectos en solitario, todo ello publicado a través de su sello Conspiracy International (CTI), creado previamente en 1983 para dar salida entonces a sus grabaciones más experimentales así como a otros proyectos paralelos. Precisamente CTI, como proyecto, produjo dos LPs en 1984: "Elemental 7" y "European Rendezvous", firmados respectivamente como CTI y como Chris & Cosey/CTI (editados por el sello Doublevision y posteriormente reeditados en 1990 en un único CD por CTI/Play It Again Sam bajo el título de "Collectiv Three, An Elemental Rendezvous"). El primero servía como banda sonora para un vídeo del mismo nombre (con Carter, Tutti y John Lacey hilvanando descriptivos ambientes electrónicos) y el segundo contenía una recopilación de grabaciones en directo duarante su gira europea como CTI en 1983.
Volviendo a los 90, las grabaciones de Chris & Cosey siguen apareciendo periódicamente al margen de las idas y venidas y reinvenciones electrónicas de turno. Discos como "Pagan Tango" (CD, 1991) y "Muzik Fantastique" (CD, 1993), ambos todavía para Play It Again Sam, inciden en esa sensación de ir totalmente por libre al margen de todo, concentrados sólo en la inspiración de su propia geografía personal. Menos arriesgados que en sus trabajos anteriores, temas como "Take Control", del primero, o el desembarco total en el pántano acid que significan los primeros temas del segundo, puro baile sintético, conectan de inmediato gracias a esa extraña marca de la casa que les ha hecho ser inclasificables por naturaleza. Desprovistos de estirados corsés estilísticos o formales, su música se ha beneficiado siempre de su propia personalidad, de ese carácter multicreador que les ha hecho siempre considerarse no sólo músicos sino también, y en igual medida, artistas, ingenieros de sonido, escritores, performers y agitadores activos que han colaborado asiduamente con otros artistas y músicos de la talla de Robert Wyatt, Monte Cazazza, Coil, etc. En este sentido es imprescindible su álbum de colaboraciones "Core" (CD, Play It Again Sam, 1988). Del mismo modo que su evidente posición como protagonistas de la electrónica rítmica más incisiva de los 80 y 90 ha hecho que su música haya sido remezclada frecuentemente por nombres tan ilustres como los de Carl Craig ("Fantastique" en el álbum de remixes "Twist", T&B Vinyl, 1995), Andrew Weatherall o Daniel Miller, por sólo citar algunos.
Desde mediados de los 90 Chris Carter y Cosey Fanni Tutti han centrado especialmente su trabajo en la entrega de dos series temáticas de CDs (todos editados a través de CTI): "'The Library Of Sound" y "Electronic Ambient Remixes". "Metaphysical" fue en 1993 el primer volumen de la serie "The Library Of Sound". Trabajos de exploración sónica construidos por densos paisajes ambientales. La serie continuaría después con "Chronomanic" (1994), "In Continuum" (1995) y "Point Seven" (1998). En cuanto a "Electronic Ambient Remixes", ésta ha ido presentando alternamente trabajos firmados por Chris Carter ("E.A.R. 1", 2000, remezcla de su primer LP en solitario de 1980 "The Space Between"; "E.A.R. 3", 2002, remezclando ritmos y loops originales de Throbbing Gristle) y por Cosey Fanni Tutti ("E.A.R. 2", 2000, remezcla de su cassette en solitario de 1983 "Time To Tell"; "E.A.R. 4 - Selflessness", 2004). La música desarrollada a través de estos dos proyectos ha sido empleada en instalaciones sonoras, galerías de arte, performances, lives en festivales de música electrónica o programas de radio exclusivos, como es el caso de la pieza sonora "E.A.R. 4 - Selflessness", emitida íntegramente por ResonanceFM (Londres) en Mayo de 2003.
También entre sus trabajos y actividades más recientes destacan la publicación de "C&C Luchtbal" (CTI, 2003, CD en directo grabado en Bélgica presentando 68 minutos de audio y 3 vídeos) y las reediciones remasterizadas de antiguos álbumes de Chris & Cosey y en solitario.
En 2003 Chris Carter y Cosey Fanni Tutti comienzan su nueva andadura actuando, editando material y realizando sesiones como DJs ya siempre bajo el nombre de Carter Tutti. Su primera actuación en el Reino Unido con el nuevo nombre fue en el Queen Elizabeth Hall londinense el 9 de Octubre de 2003. Durante 2004 han continuado actuando y trabajando también en sus proyectos en solitario, aparte de presentar dos remezclas, "Hamburger Lady" y "Hot Heels United", en la la compilación de Throbbing Gristle "Mutant TG" (Mute). También en 2004 editaron el excelente "Cabal" (CTI), primer álbum firmado como Carter Tutti: un perfecto ensamblaje de arquitectura electrónica, ambientes densos, perezosa pulsión rímica y voces y guitarras procesadas. Y finalmente el live grabado en Barcelona "Carter Tutti Live At Lem 2003" (CTI, 2004).
Por último, la reactivación de Throbbing Gristle les ha ocupado trabajando en el primer álbum desde hace más de 25 años con material nuevo de T.G.: "Part Two - The Endless Not".
Más información Carter Tutti: www.cartertutti.com
Viernes 6 de Octubre - 22 h Exp'06 Programación

david thomas and pale gagarins

Hablar del norteamericano David Thomas es hacerlo de uno de los más grandes talentos que ha deparado la música experimental entendida aquí en el sentido más amplio y transgresor del término. Y por supuesto es hacerlo también de la banda que durante décadas él ha liderado (y sigue haciéndolo): Pere Ubu, la quintaesencia del rock surreal, del punk de vanguardia, de la electrónica expresada en minimales apuntes expresionistas de sintetizador. Todo ello aplicado a una música indescifrable y elocuente a partes iguales: desestabilizadora e inteligente. Dadaísmo punk.
Y hablar de David Thomas + Pere Ubu es también situarse en Cleveland (Ohio) para contemplar desde el asombro como una banda "de provincias" trascendió límites geográficos, temporales y por supuesto artísticos, para terminar revolucionando conceptos como arte y rock y conectar ambos entre sí sin aparente esfuerzo ni pretenciosidades gratuitas. Gestados a principios de los 70, oficialmente fundados en 1975, sacudidos por el tsunami punk, vecinos de Devo (próximos y lejanos al mismo tiempo) y contemporáneos tanto de Suicide como de la no-wave neoyorquina, Pere Ubu caminaron siempre por libre incidiendo en esa aparentemente involuntaria complejidad sonora que les hizo únicos e influyentes como pocas bandas más.
Pero también ésta es una historia de contínuas defunciones y resurrecciones, evolución y cambios, de un grupo que nunca ha dejado de existir aunque sólo emita señales de vida de cuando en cuando. Píldoras vitales entregadas en forma de discos tan necesarios para descifrar la existencia de vida más allá del rock (y del punk y de la electrónica) como "The Modern Dance" (Blank, 1978), "Dub Housing" (Rough Trade, 1978), "New Picnic Time" (Rough Trade, 1979), "The Tenement Year" (Enigma, 1988) o "Raygun Suitcase" (Cooking Vinyl, 1995).
Sin embargo en esta ocasión se trata de hablar específicamente de David Thomas. Y de su presencia en Madrid, en Experimentaclub'06, al frente de un trío que reúne a Keith Moliné (parte de los Two Pale Boys; guitarras), Graham Dowdall (colaborador de Thomas y también conocido por su proyecto Gagarin; sintetizadores) y al propio D.T. (voces, melodeon) bajo el nombre de David Thomas and pale gagarins. Una ocasión única y un concierto también único con esta formación que según Thomas sonará próxima a Two Pale Boys pero a la vez diferente al girar musicalmente en torno al sintetizador de Graham Dowdall. En cualquier caso, y en sus propias palabras: "I think it would be a very special show and a very exclusive one, too".
David Thomas and Two Pale Boys se ha definido siempre como un proyecto de folk de vanguardia... ejecutado con tecnología de la era post-dance. De hecho Thomas se ha considerado a sí mismo (y de paso a Pere Ubu también) como un compositor e intérprete de folk (no rock no punk no... nada). Música tradicional reinventándose a sí misma. El uso del melodeon empantanado entre oscuros pasajes de guitarra, vientos y electrónica, unido a su siempre peculiar voz, a esos torbellinos de electricidad desatada y a los pasajes en los que todo ese chorro sonoro se detiene y se adentra en alguna nueva forma de canción hasta ahora desconocida, toda esa belleza y fealdad grandiosas, son los ingredientes mágicos que han hecho de este proyecto (D.T. and 2pbs) algo único y tan necesario como los propios Pere Ubu. Y a discos como el sobresaliente "18 Monkeys On A Dead Man's Chest" (Glitterhouse, 2004) uno de los mejores trabajos discográficos publicados en lo que llevamos de década.
Pero antes de aterrizar en este período 2pbs, conviene detenerse un momento en la figura de David Lynn Thomas (Miami, 1953; muy pronto residente en Cleveland, Ohio), fundador de Pere Ubu, esa centrifugadora de sonidos encontrados, sintetizadores analógicos y música concreta batida con el espíritu y el nervio de una banda de garaje... Y responsable también en solitario, a través de sus múltiples proyectos de sí mismo, de algunos de los episodios musicales más transgresores e incómodos de los últimos treinta años. Episodios concebidos complementariamente a su trabajo con Pere Ubu, investigaciones sonoras que dejan en 1981 como primer legado discográfico su álbum "The Sound Of The Sand" (Rough Trade), creado junto al guitarrista británico de folk-rock Richard Thompson. A partir de aquí, la carrera discográfica de David Thomas está marcada por una producción tan ecléctica como impredecible. Así se fueron sucediendo en la década de los 80 trabajos como "Variations On A Theme" (Rough Trade, 1983), "More Places Forever" (Rough Trade, 1985), "Monster Walks The Winter Lake" (Rough Trade, 1986) o "Blame The Messenger" (Rough Trade, 1987), publicados a lo largo de uno de esos períodos de hibernación de Pere Ubu roto con la edición en 1988 de "The Tenement Year".
De vuelta a Two Pale Boys, éstos fueron creados en 1994 como uno de los múltiples proyectos desarrollados por Thomas al margen de Pere Ubu, concebidos siempre como vehículos con los que redefinir el rol de la voz y los instrumentos en pos de nuevas expresividades sonoras. Algo que en este caso no sólo ha conseguido con creces sino que además ha servido para crear buena parte de sus mejores trabajos. Y es que el trío formado por David Thomas, Andy Diagram (Diagram Brothers, James, The Honkies, The Spaceheads; a cargo de la trompeta, filtrada eso sí por toda clase de ecos, radios y delays, generando capas superpuestas de sonidos electrónicos) y Keith Moliné (They Came From The Stars I Saw Them, Infidel; artífice de guitarras polirrítmicas, violín y electricidad estática), ha dado forma así durante estos últimos diez años a algunos de los pasajes musicales más brillantes y sobrenaturales que alguien pueda imaginar. Con "Erewhon" (Cooking Vinyl, 1996), su primer álbum, abrieron el cofre de un sonido tan intenso y misterioso como sorprendente, luego expuesto en directo en "Meadville" (bonus live incluido en 1997 en la caja de 5 CDs "David Thomas, Monster"; Cooking Vinyl) y en "Mirror Man" (Cooking Vinyl, 1999, otro live aquí bajo el nombre de David Thomas and The Pale Orchestra). Más tarde "Surf's Up!" (Glitterhouse, 2001) sembraría esas dosis exactas de misterio, emoción, crispación e incertidumbre que alcanzan su culminación en el antes citado "18 Monkeys On A Dead Man's Chest" (Glitterhouse, 2004). Desde la epilepsia distorsionada y hecha neo-rock que hace girar "New Orleans Fuzz" y "Numbers Man", pasando por la densidad oscura de "Habeas Corpus" y el folk surreal que parece habitar en "Brunswick Parking Lot", hasta desembocar en la épica "Nebraska Alcohol Abuse" y finalizar en "Prepare For The End", todo el disco transcurre por el filo de una navaja sonora que difícilmente puede dejar a alguien indiferente: es simplemente incontestable...
Ahora es momento de dejarse sorprender por David Thomas and pale gagarins, por el que promete ser uno de los platos fuertes de Experimentaclub'06. Y para ello hay que detenerse también en la figura de Graham Dowdall: percusionista, creador y mezclador de ambientes sonoros, colaborador de artistas como Nico o John Cale tanto en directo como en disco, compositor de música para teatro y danza... Dowdall, quién ya ha trabajado anteriormente con David Thomas, ha desarrollado también una amplia trayectoria en el campo de la música electrónica bajo el nombre de Gagarin.
Más información David Thomas And Pale Gagarins: www.ubuprojex.net - www.ubuprojex.net/pbs.html
Miércoles 4 de Octubre - 22 h Exp'06 Programación

otomo yoshihide

La carrera artística del japonés Otomo Yoshihide (Yokohama, 1959) es por encima de todo una contínua exploración de la naturaleza del sonido, una búsqueda a través de diferentes medios expresivo/sonoros: del free jazz a la electrónica minimalista, de la electroacústica al turntabilismo, de la improvisación libre al sampleo (plunderphonics)... Una carrera prolífica, arriesgada como pocas, que le ha llevado a crear proyectos como Ground Zero (1990-1998), Sampling Virus Project (1992-1998) o los actuales I.S.O., Filament y la Otomo Yoshihide's New Jazz Orchestra. Todo ello sin olvidar su producción en solitario, con trabajos específicos de guitarra o exclusivamente de tocadiscos (como ocurrirá en Experimentaclub'06). Un artista infatigable, lleno de ideas y especialmente combativo además en lo que se refiere al tema del apropiacionismo y el sampleo libre, asuntos sobre los que ha disertado ampliamente en artículos y libros.
Aficionado desde muy pronto al free jazz y a artistas como Ornette Coleman y Derek Bailey, Otomo Yoshihide comenzó como guitarrista en formaciones de jazz y punk hasta que en 1981 lo hizo ya de forma profesional tocando improvisación libre (usando guitarras, cintas, radios, etc) en un club de Tokio. En los siguientes años compaginó un dúo junto al saxofonista Junji Hirose con su participación en una banda llamada No Problem. Ya en 1990 comienza a colaborar asiduamente con otros músicos de muy diferentes estilos y realiza una gira por Japón en compañía de Hirose y el percusionista David Moss. En ese mismo año 90 crea su propia banda, Ground-0 (más tarde llamada Ground Zero), con la que trabajará intensamente hasta su disolución en 1998.
En Abril de 1991 realiza con Ground-0 su primer concierto fuera de Japón (en Hong-Kong) y en Diciembre toca por vez primera en Europa (Berlín) con Koichi Makigami (voces), Yuji Katsui (violín), Hiroshi Higo (bajo), David Moss (percusión) y Frank Schulte (tocadiscos). Entre 1992 y 1994 crea dos proyectos más al margen de su trabajo con Ground Zero. Se trata de la Double Unit Orchestra (formación que constaba de dos grupos dirigidos simultáneamente por Otomo) y Celluloid Machine Gun, de estilo cinematográfico basado en las películas made in Hong Kong. También a finales de 1993 creó Mosquito Paper, proyecto activo sólo hasta finales de 1994. Tanto Celluloid Machine Gun como Mosquito Paper fueron eventualmente absorbidos por Ground Zero cuando la banda lanzó su trabajo "Revolutionary Pekinese Opera" (Trigram, 1995). Antes ya habían publicado "Ground Zero" (God Mountain, 1993) y "Null & Void" (Tzadik, 1995).
Otro de sus múltiples proyectos de aquellos años, y en este caso sin duda uno de los más interesantes, fue Sampling Virus Project (entre 1992 y 1998), centrado obviamente en las posibilidades del sampler y los procesos creativos derivados del uso de éste, capaces de actuar como un virus informático, invadiendo, transformando y multiplicándose a través del resto de trabajos en los que se ocupaba Yoshihide, para crear finalmente algo nuevo a nivel global. Este proyecto fue desarrollado por Otomo a través de sus trabajos en solitario, sus bandas, colaboraciones con otros músicos, etc.
Desde el fin de Ground Zero el espectro sonoro de Otomo Yoshihide ha evolucionado ampliamente. En los últimos años ha desarrollado una clara pasión por la música electrónica minimalista y las bajas frecuencias. Algo que puede apreciarse en gran medida en sus proyectos actuales: I.S.O., su trío con Yoshimitsu Ichiraku (batería, electrónica) y Sachiko M (sampler); y Filament, su dúo con Sachiko M. El sonido tiende aquí más a buscar la simplicidad, el minimalismo y las texturas que al dinamismo y la interpretación instrumental. Ondas estáticas, microruidos, silencios... "Me interesa la dicotomía entre silencio y ruido y la imprecisa frontera que separa lo uno de lo otro. Lo más interesante, en mi opinión, es el criterio subjetivo que cada uno utiliza para decidir qué es música y qué es un sonido intruso".
Pero su creatividad ha sido diempre multidireccional por lo que, apuntando ahora en otra dirección, en Julio de 1999 inicia un nuevo proyecto de jazz acompañado por un cuarteto formado por Naruyoshi Kikuchi (saxos), Kenta Tsugami (saxos), Hiroaki Mizutani (bajo) y Yasuhiro Yoshigaki (batería), interpretando temas de grandes nombres del jazz como Charles Mingus y composiciones del propio Otomo Yoshihide.
Su currículum, realmente inabarcable, incluye también durante la década de los 90 la participación activa en otras bandas y proyectos como P53 (junto a Chris Cutler), Novo Tono (Phew), su dúo con Tenko bajo el nombre de MicroCosmos, colaboraciones con Jon Rose, etc. A lo que hay que añadir su especial dedicación al campo de la composición de bandas sonoras para cine, TV y vídeo, en el que siempre ha demostrado un gran talento. En este sentido hay que señalar su proximidad y la gran relación que ha tenido trabajando con creadores del mundo cinematográfico de China y Hong Kong. También ha sido director musical del grupo de teatro Rinkogun entre 1992 y 1995, creando la música para obras como "Bird Man" o "Hamlet Symbol".
Toda esta enorme actividad ha quedado plasmada en una discografía sencillamente gigantesca, expuesta en todo tipo de formatos. Trabajos en solitario, solos de tocadiscos o solos de guitarra, con su actual Otomo Yoshihide's New Jazz Orchestra (como "Out To Lunch", Doubtmusic, 2005), con su New Jazz Quintet, Filament, I.S.O., etc (puede consultarse su discografía completa en www.japanimprov.com/yotomo/disco.html).
Por último hay que prestar también especial atención a su extensa actividad como escritor. Desde los años 80 Otomo Yoshihide ha presentado sus ideas acerca de cuestiones como la problemática de la distribución y la situación de la industria musical o sobre consideraciones referentes a temas como el sampleo y la improvisación libre. Todo ello en innumerables artículos y ensayos para diferentes revistas y libros.
Más información Otomo Yoshihide: www.japanimprov.com/yotomo
Sábado 7 de Octubre - 20'30 h - Gramophonia Exp'06 Programación

chris cutler

Chris Cutler es sin duda uno de los músicos más activos y prestigiosos de la escena experimental británica de los últimos 40 años. Su currículum es sencillamente impresionante: ex-percusionista de los míticos Henry Cow entre 1971 y 1978, involucrado en múltiples proyectos musicales de vanguardia como Art Bears, News From Babel, Cassiber, P53, etc, presente en varios discos de Pere Ubu y David Thomas, colaborador de artistas de la talla de Lindsay Cooper, The Residents, Gong, Otomo Yoshihide... Y por si esto fuera poco, Cutler fue además fundador en 1978 del sello Recommended Records, absolutamente clave en el desarrollo de la música experimental de las últimas décadas.
Desde los primeros años 60 Chris Cutler comenzó a tocar la batería en bandas de soul y rhythm'n'blues. Poco más tarde, en 1967, será en grupos psicodélicos en la línea de Soft Machine y los primeros Pink Floyd de Syd Barrett, actuando en los mismos clubs donde éstos lo hacían. Pero es ya en 1971 cuando realmente inicia el primero de sus mil y un proyectos ligados a la experimentación. Se trata de The Ottawa Music Co., creada junto a Dave Stewart (entonces componente de Egg y personaje clave en aquello que se llamaría Sonido Canterbury): una orquesta formada por músicos procedentes del rock menos convencional planteada para interpretar en directo tanto creaciones propias como algunas de otros compositores. En su corto espacio de vida, sólo entre 1971 y 1972, la orquesta llegó a contar hasta con 22 músicos. Nombres ilustres como Mont Campbell, Steve Hillage, Barbara Gaskin, los propios Stewart y Cutler... y también, después de que este último se les uniera, todos los componentes de Henry Cow: Fred Frith, Tim Hodgkinson, John Greaves...
Henry Cow es uno de esos referentes obligados de los primeros 70 (como lo son por ejemplo AMM, Faust, Can o Kraftwerk, cada uno dentro de sus coordenadas musicales) cuya influencia ha sido decisiva en el desarrollo de la música de vanguardia y experimental. Este mítico colectivo de músicos sin límites creativos, situados premeditadamente al margen de todo y todos (al margen izquierdo, por aquello de la conciencia política militante), rompieron durante sus años de existencia todos los moldes sonoros posibles. Innovadores, antidogmáticos, furiosamente libres, Henry Cow hicieron de la exploración y la ruptura su método: en sus manos términos como música contemporánea, improvisación, free jazz y rock progresivo saltaron por los aires para dar lugar a algo musicalmente inédito, centrado sólo en la inspiración lanzada a la deriva.
Chris Cutler formó parte de la banda entre 1971 y su desaparición en 1978, pero el grupo había sido creado en 1968 en la Universidad de Cambridge por Fred Frith (guitarra) y Tim Hodgkinson (órgano, saxo), a los que después se uniría John Greaves (bajo). Tras la incorporación de Cutler (batería), el grupo se embarcaría en 1972 en la primera de sus dos producciones para teatro (la música para una adaptación de un clásico de Eurípides, Las Bacantes) y poco después su formación pasaría a ser de quinteto con la entrada de Geoff Leigh (vientos). Tras componer la música para un ballet con el artista Ray Smith y el Cambridge Contemporary Dance Group, inician una serie de conciertos bajo el nombre de Henry Cow's Cabaret Voltaire, en los que además de la música se incluían acciones de performance y teatro, invitando a otros artistas a participar en cada uno de estos shows. Ya en 1973 comienzan una nueva serie de actuaciones con el nombre de The Explorers Club en las que invitan a Derek Bailey, Lol Coxhill, Ivor Cutler, Ron Geesin, The Scratch Orchestra, David Toop, Paul Burwell y Christine Jeffries, así como al escritor D.J. Perry y a Ray Smith, que ya habían participado en la serie anterior. También es entonces cuando comienzan la grabación de "Leg End" (Virgin, 1973), su primer álbum. Es éste un período de extrema actividad que les lleva a realizar una mítica gira de dos meses junto a Faust, compaginando la misma con la composición de la que será la música para un nuevo proyecto músico-teatral: una adaptación de La Tempestad (Shakespeare). Más tarde Geoff Leigh decide abandonar el grupo y encuentran en Lindsay Cooper la sustituta perfecta al aportar también el oboe y su voz como ingredientes extra a la sonoridad de Henry Cow. Con ella ya en la formación graban "Unrest" (Virgin, 1974), segundo trabajo y probablemente el que marca el más alto nivel de creatividad en su carrera.
También en 1974 se produce su afortunado encuentro con SlappHappy, proyecto de Peter Blegvad y Dagmar Krause y Anthony Moore, con los que ya habían colaborado previamente, y su integración en los dos siguientes álbumes de Henry Cow: "Desperate Straights" (Virgin, 1974) y "In Praise Of Learning" (Virgin, 1975). En los conciertos posteriores a la edición de estos trabajos, Dagmar Krause decide integrarse en Henry Cow mientras que John Greaves acabará dejando un año más tarde a éstos para colaborar en nuevos proyectos con Peter Blegvad. Entre medias el nuevo sexteto actúa sin parar por toda Europa. En Abril de 1975 su concierto junto a Robert Wyatt en París es un éxito rotundo. En 1976 aparece "Concerts" (Caroline) y un año después (al igual que antes hicieran con SlappHappy y Wyatt) se asocian de nuevo con otra formación: The Mike Westbrook Brass Band with Frankie Armstrong (aka The Orckestra).
Tras un período de múltiples desavenencias, idas y venidas (abandono de Dagmar Krause por problemas de salud, etc), el testamento discográfico definitivo de Henry Cow llegó con "Western Culture" (Broadcast Records, 1979) aunque su último concierto había tenido lugar en la Piazza del Duomo, Milán, el 25 de Julio de 1978.
En ese mismo año Chris Cutler crea, con Nick Hobbs, Recommended Records: distribuidora y sello independientes, plataforma para la difusión de la música experimental y sin duda una alternativa hasta entonces inédita para la promoción de ésta al margen de la conocida distribución convencional. Al mismo tiempo Cutler crea también Re Records (sello sólo para sus propios proyectos) que finalmente acabará fundiendo con Recommended en 1987 dando forma a ReR.
También en 1978 realiza los primeros conciertos con su dúo de improvisación junto a Fred Frith y pone en marcha su nuevo proyecto Art Bears también junto a Frith y Dagmar Krause, publicando tres espléndidos álbumes entre 1978 y 1981 (todos en Re Records): "Hopes And Fears" (1978), "Winter Songs" (1979) y "The World As It Is Today" (1981). Durante este período colabora entre otros con The Residents, Gong y David Thomas.
Durante los 80 compagina nuevos proyectos como News From Babel (con Lindsay Cooper, Dagmar Krause y Zeena Parkins) y Cassiber (con Heiner Goebbels, Alfred Harth y Christoph Anders). Sigue trabajando regularmente con Fred Frith y también colabora con Tim Hodgkinson y Peter Blegvad hasta que en 1987 se integra en la nueva formación con que David Thomas refunda Pere Ubu.
Entre los infinitos proyectos y colaboraciones que también lleva a cabo durante los años 90, destacan su dúo con Zeena Parkins, los trabajos con P53 (junto a Marie Goyette, Zymunt Krauze, Otomo Yoshihide y Lutz Glandien) y la edición de tres álbumes en directo resultantes de su dúo con Fred Frith.
Desde 2000 trabaja frecuentemente solo. Y es que no ha sido hasta estos últimos años cuando Chris Cutler ha publicado sus dos primeros álbumes en solitario: "Solo" (Recommended Records, 2001) y "Twice Around the World" (Recommended Records, 2005). Por lo demás continúa involucrado en numerosos proyectos a la vez que mantiene intermitentemente activo su dúo con Fred Frith.
En su concierto en Experimentaclub'06 combinará batería, percusión y sonidos electrónicos.
Más información Chris Cutler: www.ccutler.com
Sábado 7 de Octubre - 19'30 h Exp'06 Programación

keith rowe

El británico Keith Rowe es una figura capital en el marco de la vanguardia sonora de las cuatro últimas décadas. Artista integral, imposible de encasillar por la constante indagación y exploración de su trayectoria musical, Rowe rebasó en su momento el contexto del free jazz para revolucionar la música improvisada (con AMM sin ir más lejos; inolvidable su actuación en Experimentaclub'03) y acabar después por convertirse también en una figura de culto en el campo de la improvisación electrónica (MIMEO).
Su percepción de la guitarra más como fuente generadora de sonido que como instrumento, su tratamiento de la misma como un objeto encontrado, desarrollando un nuevo lenguaje y también otorgándola un uso diferente al convencional, ha marcado siempre el trabajo de Keith Rowe. También la pintura como motor (inspiración, complicidad) capaz de alimentar de contenido e ideas muchos de sus trabajos (Klee, Pollock). Y buena parte de este talento visionario para descontextualizar el instrumento y conducirlo a través de creaciones sonoras lanzadas al vacío, de su visión personal y revolucionaria -heredada de precursores como John Cage- acerca de los parámetros por los que transcurre la propia creación musical, se ha desarrollado a través de ese colectivo mítico en el ámbito de la experimentación y la improvisación que responde por el nombre de AMM.
AMM surgió en 1965 a partir del encuentro de varios músicos británicos de free jazz y alrededor de un núcleo formado por Keith Rowe, el percusionista Eddie Prévost, el saxo Lou Gare y posteriormente el compositor Cornelius Cardew (piano y cello). En 1966 editaron su primer álbum "AMMMusic1966", en el que ya rompieron con los patrones al uso del free jazz para investigar en la improvisación desestructurada y en la exploración de nuevos sonidos.
En 1972 AMM se rompen dando forma a dos dúos: Prévost y Gare de un lado y Cardew y Rowe del otro, continuando estos últimos su asociación en proyectos como la Scratch Orchestra y People's Liberation Music. En 1976 vuelven a trabajar juntos hasta que primero Lou Gare y luego Cornelius Cardew abandonan dejando solos a Prévost y Rowe. En 1979, bajo el nombre de AMM III, graban "It Had Been An Ordinary Enough Day In Pueblo, Colorado" (ECM). Poco después AMM, en la que ya será su versión definitiva, se completa con la incorporación del pianista John Tilbury. Desde entonces, 1980, han publicado un amplio número de grabaciones y participado en innumerables proyectos, festivales, etc.
Pero al margen de ese descomunal generador sonoro que ha sido y es AMM, Keith Rowe ha estado embarcado en innumerables proyectos propios y colaboraciones con otros artistas. En 1979 su asociación junto a Trevor Watts bajo el nombre de Amalgam produjo dos álbumes, "Over The Rainbow" (Arc) y "Wipe Out" (Impetus), claramente marcados por el desarrollo de nuevos lenguajes y códigos en el uso de la guitarra. Pero es desde mediada la década de los 90 hasta hoy cuando la actividad de Rowe ha sido mayor y más productiva. Aparte de su presencia en AMM, durante estos años ha extendido su campo de acción a nuevas iniciativas como MIMEO y a colaboraciones con otros artistas como Evan Parker, Jeffrey Morgan, Günter Müller, Taku Sugimoto, Burkhard Beins, Otomo Yoshihide, Toshimaru Nakamura, Christian Fennesz, Marcus Schmickler, Kim Cascone, etc.
MIMEO (Music In Movement Electronic Orchestra) es sin duda uno de los proyectos más interesantes que ha abordado el siempre inquieto Keith Rowe. Este colectivo abierto que agrupa a un selecto grupo de músicos electrónicos empeñados en dotar al campo de la improvisación de una nueva energía formal, con nombres del calibre de Fennesz, Marcus Schmickler, Rafael Toral, Peter Rehberg, Thomas Lehn, Gert-Jan Prins, Phil Durrant, etc, agrupados todos en torno a Rowe, ha producido algunos de los pasajes más sobresalientes de la electrónica experimental de los últimos diez años. Intensos remolinos de improvisación electroacústica con testimonios discográficos tan abruptos y rupturistas como "Electric Chair And Table" (2000, GROB).
Entre 2002 y 2003 Rowe concreta discográficamente las conexiones abiertas con MIMEO en un dúo junto a Christian Fennesz ("Live At The LU", Erstwhile Records), dúo que de cuando en cuando ambos vuelven a hacer funcionar, o en un trío con Thomas Lehn y Marcus Schmickler ("Rabbit Run", Erstwhile Records), posteriormente aumentado a cuarteto con la incorporación de Toshimaru Nakamura (CD en 2004 para Erstwhile Records).
También sus colaboraciones con Fennesz se extienden al proyecto Four Gentlemen Of The Guitar, en el que ambos están acompañados por Oren Ambarchi y de nuevo Toshimaru Nakamura, publicando en 2004 "Cloud" (CD, Erstwhile Records).
Más información Keith Rowe: www.scaruffi.com/avant/rowe.html - www.shef.ac.uk/misc/rec/ps/efi/musician/mrowe.html
Miércoles 4 de Octubre - 19'30 h Exp'06 Programación

dat politics

fotos: Paul Tahon

El laptop trío de Lille (Francia) vuelve con su flamante nuevo álbum, "Wow Twist" (Chicks On Speed Records, 2006), yendo un paso más allá en su búsqueda de la electroparty perfecta: techno-chicle paranormal, infeccioso bajo las voces manipuladas, los bip-bip de la galaxia Nintendo y los estallidos de punk/pop cibernético... Todo inteligentemente ensamblado con un sobresaliente chorro de imaginación, letras delirantes, ciencia ficción de serie Z y capacidad para crear electroshocks trepidantes y también ultraestáticos espacios de misterio. Como unos B-52's que hubieran irrumpido en la era digital (en vez de en la analógica), los Dat Politics de 2006 alteran, irritan, enloquecen, seducen, refrescan, escuecen, alucinan, atragantan, electrocutan y felizmente teletransportan al oyente a un universo robótico desconocido.
Pero hay que mirar atrás y contemplar la curiosa evolución que ha seguido la que es la mejor -y quizá única- laptop "band" del mundo, formada en Octubre de 1998 primero como quinteto y luego reducida definitivamente a trío. Desde su debut en 1999 con el LP "Tracto Flirt" (Ski-pp, su propio y exquisito sello, en el que editaron por ejemplo en 2003 el CD de Felix Kubin "The Tetchy Teenage Tapes Of"), Dat Politics (Claude Pailliot, Gaëtan Collet y Vincent Thierion) han refrito las bases de su pócima sonora para poco a poco irla trasladando del clickminimalismo instrumental, construido en base a secuencias y micromelodías, hasta conducirlo a un formato más o menos formal de synth-pop hecho canción..., aunque eso sí, canción subversiva y llena de abracadabrantes emisiones ruidistas. Todo este viaje ha transcurrido paralelo a su paso por sellos como A-Musik y sus entregas para Mille Plateaux o Tigerbeat6, hasta su aterrizaje en Chicks On Speed Records, donde han publicado sus tres últimos álbumes: los que de alguna manera han marcado el ritmo de esta mutación. Por decirlo de algún modo: de "Clicks And Cuts" (estuvieron presentes en los volúmenes 2 y 3) al punk/pop digital en expasión y technicolor.
La microelectrónica contenida en el ya citado "Tracto Flirt" (reeditado más tarde en CD por Tigerbeat6) y en sus siguientes "Villiger" (A-Musik, 2000) y "Sous Hit" (Digital Narcis Corporation, 2001), se encamina en 2002 con la aparición de "Plugs Plus" (ya en Chicks On Speed Records) a un proceso de popsificación inteligente y lleno de hallazgos. Aquí los temas tienen identidad como tales (algo inexistente hasta entonces), añaden ingredientes vocales y se rodean de una interesante nómina de colaboradores (a cuál más freak) como Felix Kubin o Jo Zimmermann (Schlammpeitziger).
Con "Go Pets Go" (Chicks On Speed Records, 2004) la popsificación se completa con melodías hipnóticas y se enriquece con la inclusión de complejas composiciones digitales. Funde la mecánica minimal de sus tres primeros discos con la inmediatez y el carácter pop del anterior, extrayendo de todo ello sus mejores aciertos y plasmándolo con una ¿placidez? tan colorista como chirriante. En definitiva, toques de folk digital de la mano de las colaboraciones de Nathan Michel y Kristin Erikson (¡hay hasta un banjo!), mini-hits de technonintendo, composiciones basadas en abejas y bichos en general, etc, etc, etc... Una discoteca/zoológico sin desperdicio.
Volviendo finalmente al reciente "Wow Twist" (Chicks On Speed Records, 2006), sus once temas surcan el ciberespacio como un misil desbocado conducido por las voces ultraprocesadas de Claude y Gaëtan. Desde "Viper Eyes" y sus anfetamínicos estribillos technopunk, el carrusel de canciones de electroconfetti gira y gira invitando al oyente a surfear por toda la galaxia. "Turn My Brain Off" conecta electrodos a unos Beach Boys de juguete (y a pilas), "Gravity" es como si toda la new wave se hubiera reciclado y reinventado en apenas cuatro minutos para definir el pop del siglo XXII, "My Toshiba Is Alive" (¡qué grandes títulos!) es un himno de technoinfantilismo surreal y "Roll" es una grandísima canción que te engancha sin remedio: vaya, simplemente, es buenísima, ni más ni menos...
Más información Dat Politics: www.datpolitics.com - www.ski-pp.com
Jueves 5 de Octubre - 22 h Exp'06 Programación

vladislav delay

El finlandés (afincado en Berlín) Vladislav Delay llega a Madrid para presentar en vivo el último disco aparecido bajo su propio nombre: el atemporal y por encima de todo personal "The Four Quarters" (Huume, 2005). Paisajismo electrónico expuesto en largos temas en los que retoma la microclickelectrónica de sus primeros trabajos para Chain Reaction y Mille Plateaux, empastándola aquí en amplios fondos melódicos, espacios abstractos y ecos de dub minimal. Reflejo de un momento en el que, al margen de sus otros proyectos como Luomo, Uusitalo o AGF / Delay, parece haberse centrado sólo en la búsqueda del sonido y la fluidez musical.
Vladislav Delay es uno de los seudónimos de Sasu Ripatti (nacido en 1976). Su trayectoria artística ha estado marcada, desde cada uno de los frentes sonoros en que se ha movido (bajo los nombres de Luomo, Sistol, Uusitalo y Conoco, al margen del propio de Vladislav Delay), a menudo extremadamente diferentes entre sí, por una contínua progresión, una búsqueda de nuevas dimensiones que coincide con una cierta insatisfacción crítica hacia el panorama en bruto de la música electrónica. Inicialmente marcado por el jazz y por las músicas africana y brasileña, Delay desembarcó en la electrónica a mediados de los 90 realizando grabaciones en las que ya experimentaba con sonidos abstractos, ambient y dub. Algunos de estos trabajos vieron la luz bajo el alias de Conoco en el 12" "Kemikoshi" (Sigma Editions, 2000). Como Vladislav Delay su debut fue con el maxi "The Kind Of Blue EP" (1997). Ya en 1999 llegaría su primer álbum, "Ele" (Sigma Editions), dos de cuyos temas ("Kohde" y "Ele") también formarían parte -en diferentes versiones- de su aclamado CD "Entain" (Mille Plateuax, 2000). Es éste un período en el que su actividad es tan intensa que le hace publicar un álbum más en esas mismas fechas, "Multila" (ahora para Chain Reaction), incidiendo en la línea de minimal dub y ambient, sin olvidar la aparición previa de "Sistol" (proyecto del mismo nombre cuyo CD editara en 1999 en el sello Phthalo).
Aún en 2000 hace debutar sus proyectos Uusitalo ("Vapaa Muurari", Force Inc.) y Luomo, ese vehículo escurridizo que camina por los vericuetos del minimal house, cuyo primer álbum "Vocalcity" (Force Tracks) le depararía un gran éxito.
Ya en 2001 retoma las grabaciones con su nombre en "Anima" (Mille Plateaux, 2001), continuado en 2002 por su versión live "Naima" (Staubgold).
Tras entregar en 2003 un segundo capítulo de su encarnación house como Luomo ("The Present Lover", BMG, más orientado hacia públicos mayoritarios), vuelve en 2004 a su faceta como Vladislav Delay con la publicación de su primer disco en Huume, su propio sello. "Demo(N)Tracks" es un collage de trece temas, influenciados más por la vida urbana que por cualquier género o concepto meramente musical. En realidad es su más literal trabajo de ambient, un fresco sonoro y minimalista que retrata trece audiopanoramas con un instinto musical absolutamente personal. Asumiendo además nuevas ideas e incluyendo grabaciones acústicas, batería real, etc.
La vuelta al concepto de electrónica para escuchar que supone su último disco, "The Four Quarters" (Huume, 2005), un introspectivo ejercicio de composición que acaba conectando con parte de la esencia de sus primeros trabajos, le sitúa hoy en uno de los peldaños más interesantes de su intrincada carrera. Después de sus colaboraciones con AGF ("Explode", Agf Producktion, 2005) y su participación en The Dolls (Craig Armstrong, AGF y Delay, con un disco de igual nombre editado por Huume en 2005), los cuatro extensos temas de "The Four Quarters" apuntan hacia nuevas dimensiones creativas en su faceta como Vladislav Delay. Mientras tanto, y ya en 2006, su último trabajo, ahora como Uusitalo, ha sido "Tulenkantaja" (Huume, 2006).
Más información Vladislav Delay: www.huumerecordings.com
Jueves 5 de Octubre - 19'30 h Exp'06 Programación

philip jeck

El británico Philip Jeck (1952) es especialmente conocido por su apabullante y subversiva obra "Vinyl Requiem" (trabajo realizado junto a Lol Sargent): una performance para 180 tocadiscos de los años 50 y 60, 9 proyectores de diapositivas y otros 2 más de cine en 16mm, con la cuál ganó en 1993 el Time Out Performance Award. Toda una galaxia sonora de viejas máquinas, zumbidos y vinilos atropellándose entre sí entre la monumentalidad, el error, el caos y la armonía... Un complejo galimatías que cobra sentido desde su propio desconcierto.
La obra de Philip Jeck, con siete álbumes propios publicados hasta la fecha, es como un amplio tratado de investigación y exploración, un muestrario/catálogo de esas posibilidades infinitas que los viejos tocadiscos y vinilos ofrecen como herramientas sonoras (y, claro, también visuales), para transmutarse en una diferente maquinaria musical capaz de crear algo definitivamente nuevo y desconocido. Para ello Jeck ha jugado siempre con la improvisación como elemento de eficaz perturbación: el método del azar, del error o de la casualidad juega así un papel protagonista en muchas de sus creaciones. Pero además la mayor parte de los loops, samples y scratches de los que se vale, procedentes de su arsenal de viejos discos de vinilo, son alterados por delays, ensamblados y fusionados con sonidos generados desde un Casio, manipulados con los propios tocadiscos a partir del control de velocidad, etc...; un laberinto tímbrico que crea una personal confrontación entre lo antiguo, lo analógico en el origen de las fuentes sonoras que utiliza, y el resultado altamente innovador que consigue tras manipular las mismas (yendo así mucho más allá del fetiche nostálgico de un mero arqueólogo sonoro).
En sus performances, Jeck utiliza los viejos discos y tocadiscos como verdaderos instrumentos musicales, creando con la acumulación de sonidos que éstos producen un personal lenguaje construido capa sobre capa, ritmo sobre ritmo, ruido sobre ruido. El resultado genera una arquitectura sonora llena de toxicidad envolvente. Y en realidad lo que se observa tras ese lenguaje es cómo son inseparables el proceso de creación (máquinas, materiales, método) y el resultado sonoro que consigue: tan conceptual como directamente emocional.
Philip Jeck estudió artes visuales en el Darlington College Of Arts. Comenzó a trabajar con tocadiscos y elementos electrónicos en los primeros años 80, compaginando la creación de bandas sonoras y las giras junto a compañías de danza y teatro con sus propios conciertos. Tras la presentación de la antes citada "Vinyl Requiem" en 1993, Jeck ha desarrollado su carrera discográfica a la vez que se centraba de nuevo en el arte visual, realizando incontables instalaciones sonoras y performances con tocadiscos (entre 6 y 80 aparatos) bajo el nombre genérico de "Off The Record". Y ofreciendo además conciertos para tocadiscos o para éstos mezclados con otros instrumentos: teclados Casio, violín, ordenador...
En 1999 presenta "Vinyl Coda I & II" (13 tocadiscos) para Radio Baviera de Munich, serie continuada ese mismo año con "Vinyl Coda III" y ya en 2000 por "Vinyl Coda IV". En ese mismo año realiza una instalación y performance "Off The Record" para 72 tocadiscos como parte de la exhibición de Sonic Boom en la Hayward Gallery de Londres. Y también actúa en el Saalfelden Jazz Festival de Austria haciendo un dúo junto a Christian Fennesz (3 tocadiscos y powerbook). Entre 2003 y 2004 ha trabajado en varias ocasiones con Jah Wobble, destacando un trío en compañía de éste y el gran Jaki Liebezeit (ex-batería de Can) para un concierto en Bélgica.
En cuanto a la obra discográfica de Philip Jeck, con Slant editó dos CDs: "Slant" (Sound & Language, 1993) y "The Canning Toen Chronicle" (Sound & Language, 1994). Pero es en 1995 cuando inicia su discografía en solitario con la publicación de "Loopholes" (CD, Touch). Después llegarían trabajos tan interesantes como "Surf" (CD, Touch, 1999), donde Jeck da una nueva vuelta de tuerca a su exploración sonora a través de los loops y el scratching. Ya en 2000 aparecen "Live At ICC, Tokyo" (CD, Touch) y el doble CD "Vinyl Coda I-III" (Intermedium), editando al año siguiente el definitivo "Vinyl Coda IV" (dobleCD, Intermedium, 2001).
Sus últimos álbumes son dos sobresalientes ejercicios de talento, imaginación y búsqueda. En 2002 aparece "Stoke" (CD, Touch) conteniendo siete temas editados a partir de grabaciones en vivo de actuaciones en Liverpool, Manchester, Osaka, Tokio y Viena, con la excepción de "Lambing", corte grabado para un film de Lucy Baldwyn. "Stoke" fue grabado utilizando viejos tocadiscos Bush, Fidelity y Philips, además de un teclado Casio y un reproductor de CD portátil.
Finalmente en 2005 Philip Jeck publica su séptimo y último disco hasta la fecha: el soberbio "7" (CD, Touch), presentando material creado a partir de grabaciones caseras y conciertos en el Reino Unido, Alemania y Bélgica, utilizando en esta ocasión tocadiscos Bush, Ferguson, Fidelity y Philips, un mini-disc portátil y los habituales teclados Casio. El tema "Bush Hum", creado a partir de la amplificación del zumbido de un tocadiscos Bush manipulado con un pedal de delay, es uno de los momentos más brillantes de este disco misterioso y siempre sorprendente: un armónico enjambre sonoro lleno de minúsculos matices. En "7" llama especialmente la atención una cierta sensación de control, a diferencia de lo que ocurre con otros trabajos de Jeck como el anterior "Stoke", donde el azar se constituía en la fuerza motriz de los temas. Aquí sin embargo planea una cierta predeterminación, o al menos así lo parece, que hace que ruidos, rayaduras, repeticiones, zumbidos y toda la asimetría rítmica que comprime su discurso sonoro, acaben por tener un sentido casi desconcertante hasta generar algo parecido (aunque sea remotamente) a la forma de una canción. De ese modo acaban por construirse piezas tan sugerentes como la que abre el disco, "Wholesome", o pasajes de suave ruido estático ambiental como "Wipe" (concebido originalmente para un vídeo de Marisa Zanotti) y el que cierra el disco: "Veil".
Más información Philip Jeck: www.philipjeck.com
Miércoles 4 de Octubre - 20'30 h - Gramophonia Exp'06 Programación

rag-time (grimo + pierre bastien)

Grimo (Dominique Grimaud) y Pierre Bastien, dos de los artistas más relevantes de la escena experimental no sólo francesa sino también europea, nos proponen un concierto conjunto especialmente concebido para Experimentaclub'06 a partir del proyecto "Rag-Time", creado por el primero de ellos. Viejos discos de 78 r.p.m., tocadiscos y toda clase de artilugios mecánicos manipulados hasta generar un complejo mecano rítmico lleno de magia y texturas sorprendentes, fusionándose con mínimos apuntes de sintetizador, efectos sonoros, guitarra y otros instrumentos tradicionales. Fox-trots y valses se desarticulan, se loopean en mil rayaduras, se scratchean y se desajustan sus velocidades de reproducción hasta conformar una poesía sonora inédita y sincopada.
Grimo, cuyo nombre real es Dominique Grimaud (Chartres, Francia), es un multiinstrumentista autodidacta: guitarra, mandolina, banjo, sintetizadores analógicos (Moog, AKS), saxo, sampler, tocadiscos, microsurcos...; todos forman parte de su particular arsenal instrumental. Grimo lleva más de treinta años de carrera trabajando en el terreno de las músicas innovadoras: free-jazz o free-rock, experimentación sonora, músicas electrónicas o improvisadas, todas convenientemente subvertidas con objeto de crear su propio lenguaje musical.
La larga trayectoria musical de Grimo comienza en 1970 con el grupo Camizole (happenings, improvisaciones: psicodelia, krautrock, jazz). En 1978 crea con Monique Alba el dúo Video Adventures, proyecto en el que trabaja hasta 1990 en compañía de músicos como Gilbert Artman, Cyril Lefebvre o Jac Berrocal. Ya en los años 90 es co-fundador del cuarteto franco-americano Peach Cobbler, centrados en una revisión original y a contracorriente del blues del Delta de los años 30. En su faceta como cronista musical, Dominique Grimaud ha realizado los dos libros/collages "Un Certain Rock (?) Français", después de haber colaborado durante diez años con la revista musical Revue & Corrigée.
Durante los últimos años Grimo ha presentado la instalación audiovisual "Slide" en numerosos lugares de Francia, trabajo de nuevo inspirado por el blues, las músicas improvisadas y la cultura americano-india: improvisaciones chamánicas que convocan a los elementos naturales, todo ello con la colaboración de músicos como Pascal Comelade, Dominique Répécaud, Guigou Chenevier, etc. "Slide" se grabó en CD en 1999 para el sello Vandoeuvre.
Además de dirigir la colección "Zut-o-pistes", producida y distribuida por Muséa Gazul, Grimo ha creado otros tres ambiciosos proyectos: la instalación audiovisual "Les Discônes", la performance "Les quatre directions" y el concierto "Rag-Time", cuya versión en disco vió la luz en 2003 en el sello In Polysons, que es el que ha servido de base e inspiración para esta actuación conjunta con Pierre Bastien en Experimentaclub'06.
Pierre Bastien (París, 1953), artista con mayúsculas, seguidor de John Cage, es un apasionado del universo de invenciones de Julio Verne. Doctorado en literatura francesa del siglo XVIII por la Universidad de la Sorbonne, escribió su tesis acerca del pre-surrealista Raymond Roussel. La influencia literaria en su obra se extiende al dadaísmo, Alfred Jarry o Raymond Queneau.
Artísticamente Bastien parte de una idea simple y poética: combinar instrumentos tradicionales y artilugios mecánicos de su invención. Algo que ya le caracterizaba desde su infancia. El primer instrumento creado por Bastien data de cuando apenas tenía diez años: una guitarra de dos cuerdas construida con los elementos del juego "Le Petit Physicien". A los quince años elabora una primera máquina consistente en un metrónomo flanqueado a derecha por un cimbal y a la izquierda por una pequeña polea.
Desde entonces y a lo largo de veinte años Bastien ha construido su propia orquesta (Mecanium), formada por ingeniosas maquinarias musicales construidas a partir de piezas de mecano y percutores (baquetas, arcos, etc) que por medio de temporizadores y pequeños motores eléctricos, hacen sonar instrumentos musicales de percusión, cuerda y viento de forma repetitiva, como un loop ad infinitum. Esculturas híbridas, presentadas como instalaciones sonoras, que interpretan series de pequeñas composiciones musicales hipnóticas. Sobre este soporte musical, Bastien incorpora melodías con instrumentos tradicionales como la trompeta o étnicos como el arpa-laúd dousso'n gouni de Mali, la mandolina rubab de Uzbekistán o el angklung de Indonesia.
Pero además de inventor insólito, Pierre Bastien es un músico y compositor de enorme talento que ha escrito música para cuartetos de cuerda o ballets. Aparte de sus trabajos en solitario, ha trabajado siempre con otros grandes artistas como Dominique Bagouet (ballet), Pascal Comelade, Jac Berrocal, Jaki Liebezeit (Can), Robert Wyatt, Pierrick Sorin o Issey Miyake.
En los años 90, mientras la orquesta mecánica seguía creciendo hasta llegar a constar de 80 elementos, el tándem Bastien+Mecanium participaba en festivales musicales y muestras de arte en Noruega (World Music Days, 1990), Australia (Tisea, 1992), Japón (Artec, 1995), Canadá (Fimav, 1995; Sound Symposium, 1998), Polonia (Warsaw Autumn, 1995), Estados Unidos (Flea Festival, 1996), etc.
Entre su amplia discografía destacan trabajos tan brillantes como "Mecanium" (1988), "Musiques Machinales" (1993), "Musiques Paralloïdres" (Lowlands, 1998), "Mecanoid" (Rephlex, 2001) y los más recientes "Sé Verla al Revés" (G3G, 2005), "Téléconcerts" (Signature, 2005) y "POP" (Rephlex, 2005).
Por último recordar la inolvidable actuación que Pierre Bastien nos regaló en Experimentaclub'02, convirtiéndose sin duda en uno de los mejores momentos del festival: sorprendente, único y mágico...
Más información Grimo: http://perso.wanadoo.fr/grimo/index.html
Más información Pierre Bastien: www.pierrebastien.com - experimentaclub data
Jueves 5 de Octubre - 20'30 h - Gramophonia Exp'06 Programación

augsburger tafelconfect

fotos: baronesseA

Trío audiovisual alemán formado en Hamburgo en 2002 por Jyrgen Hall, Sebastian Reier y baronesseA, tres genuinos representantes de esa electrónica alemana única y difícilmente etiquetable que oscila entre la experimentación más radical y una "actitud" pop-surreal-dadá (o algo así) que tiene en Hamburgo su principal centro de operaciones: una ciudad que pasará a la historia de la electrónica más freak por albergar esa enloquecida microescena de agitación sonora experimental que gira alrededor de personajes tan singulares como Felix Kubin, Günter 'Nova Huta' Reznicek, la artista visual Mariola Brillowska, Tim Buhre (Klangkrieg, dúo junto a Felix Kubin), los protagonistas de estas líneas o sellos como Gagarin, Edition Stora o Nneon Records.
Es en este contexto musical y artístico en general, donde hay que situar el oxidado enjambre sonoro de ruidos y melodías desarticuladas que da forma a la música de Augsburger Tafelconfect: un tránsito por una muy particular forma de improvisación electroacústica en la que hacen convivir electrónica analógica y digital, ruidismo, música concreta y desintegraciones rítmicas, todo ello felizmente a años luz de academicismos estériles.
Jyrgen Hall (laptop, electrónica, sintetizador, caja de ritmos, bajo) es también conocido por sus trabajos como Gunter Adler así como por su dúo Groenland Orchester junto a Günter Reznicek. Como contrapunto a la chatarrería digital desencadenada por Hall, Sebastian Reier (guitarra procesada , caja de ritmos) convierte los sonidos de guitarra en un colapso permanente de irreconocibles sonoridades: arañazos, colisiones, quejidos eléctricos. En definitiva, vaivenes constantes encajados sobre fondos a veces ocupados por efectos ambientales y grabaciones de campo. Finalmente el proceso se completa en vivo con las fuertes a la vez que atmosféricas descargas de color que aportan las creaciones visuales de baronesseA, diseñadora además del sello discográfico Nneon (dirigido por el propio Sebastian Reier).
El debut discográfico de Augsburger Tafelconfect llegó en 2004 con "Fusion In The Slaughterhaus" (CD, Nneon, conteniendo además una pista de vídeo con los magnéticos visuales creados por baronesseA). Un disco carrusel en el que se suceden pasajes violentos y microespacios de calma aparente, timbres hirientes y fondos diseñados a partir de esas grabaciones ambientales antes citadas. Doce temas presentados como capítulos de una narración casi cinematográfica a los que el trabajo visual confiere su dimensión final y el sentido de la unidad argumental que habita en los sonidos descosidos por Hall y Reier. El cortocircuito rítmico de "Franz Müntefering", atravesado de cuando en cuando a jirones por la guitarra de Reier, el obsesivo loop de "Bahrenfeld Ausradieren" o los apuntes melódicos subterráneos que bucean bajo los cinco minutos largos de ambientes y ruidos circulares que conforman "ConfectHymne" (el tema más extenso del disco), son algunos de los momentos que hacen que este primer álbum de Augsburger Tafelconfect sea una de las más brillantes sorpresas que la electrónica experimental ha deparado en los últimos años.
También de 2004 son el CDR (edición de sólo 150 copias) "Hamburger 8 e.p." (Ultra Eczema), sesión radiofónica para Radio Centraal Antwerp presentando cuatro temas grabados en directo, entre ellos el antes citado "ConfectHymne", y el single live en formato exclusivo MP3 para el netlabel Plakatif.net con los temas "Glitschko Bros. / Täglich Sechs Tassen Muscheltee". Ya en 2005 aparece un nuevo CDR también con una sesión radiofónica registrada en vivo para la radio holandesa: "Radio Worm #58" (CDR, Worm).
Más información Augsburger Tafelconfect: www.augsburg.tk - www.nneon.com - www.no-text.net/artist_augsburger.htm
Miércoles 4 de Octubre - 21'15 h Exp'06 Programación

a*class

fotos: baronesseA

El dúo A*Class es uno de los múltiples proyectos en los que están embarcados dos de los artistas más inquietos y subversivos de la actual escena electrónica alemana: Patric Catani (Candie Hank) y Gina V. D'Orio (50% de Cobra Killer). Pese a que ya trabajaron juntos en un proyecto anterior, EC80R, las carreras emprendidas después por ambos han sido imparables y también diferentes hasta volver a encontrarse en este proyecto común de electro-sabotaje-sin-compasón que es A*Class.
Patric Catani ha creado Candie Hank (proyecto unipersonal que hace colisionar entre sí olas de surf, disco, rock'n'roll mutante, punk y sintetizadores moog en un collage esquizoide), con el que editó el 12" "Kimouchi" en el sello de Felix Kubin Gagarin Records y el CD "A Fistful Of Sweets" (Solnze Records, 2005). Para Otoño del presente 2006 tiene previsto además un nuevo trabajo de Candie Hank: "Groucho Running" (Sonig). También ha colaborado con otros nombres como Gonzales, Angie Reed o Puppetmastaz.
Por su parte, Gina V. D'Orio coprotagoniza junto a Annika Line Trost ese salvaje y explosivo generador de punk electrónico que responde por el nombre de Cobra Killer, publicando discos tan enfurecidos como el de su debut en 1998 para el sello Digital Hardcore, el 10" "Heavy Rotation" (Monika Enterprise, 2002) o el álbum "76/77" (Monika Enterprise, 2004). Aparte de Cobra Killer, Gina V. D'Orio ha publicado en solitario "Sailor Songs" (CD, Dualplover.com, 2003) y como Like a Tim + Gina V. D'Orio "Bass Girl" (CD, Dub Rec/Clone.nl, 2004).
Como A*Class, su producción discográfica se reduce por el momento a ese fantástico EP-CD de 4 temas llamado "Ain't No Future But Our Future" que editara el sello Nneon en 2004. Papilla de electropop dadaísta servida a toda velocidad para incitar a la lectura a 160 bpm., a no malgastar el tiempo tirados a la bartola y a cultivar el espíritu y la mente... aunque al final esto sea a base de guateques descacharrantes o compulsivos autolatigazos en la pista de baile de una discoteca perversamente infantil...; son premeditadamente sádicos, no cabe duda. Y todo este mensaje es amplificado y servido en rodajas de technominimalpogo a través de títulos tan rotundos como la mecánica sónica que les da forma: "Let's Read A Book" (definitivamente el mejor del lote), "I Don't Like The Prom" (elocuente), "Ain't No Teacher Like Our Teacher" (subnormalizante hasta el delirio) y "You Smashed My Glasses" (no, quizá éste es el mejor...; o no, bueno, en realidad lo mejor es poner los cuatro temas seguidos y comprobar por uno mismo los efectos secundarios...). En resumen: disciplina, educación, aprendizaje, vida escolar... y un provocativo batido de vainilla sexytechnopunk deslizándose por los oídos... hasta los dedos de los pies.
Más información A*Class: www.nneon.com - www.stora.de - www.no-text.net/artist_aclass.htm
Jueves 5 de Octubre - 21'15 h Exp'06 Programación

jorge haro

foto: Jorge Haro	foto: Humberto Sosa

Jorge Haro (Buenos Aires, 1963), compositor, artista sonoro y audiovisual, tiene tras de sí una larga trayectoria dentro de la investigación en el campo de la música experimental, las piezas audiovisuales, el arte digital y las instalaciones sonoras. Esta trayectoria y la calidad internacionalmente reconocida de su obra, sitúan a Jorge Haro como el nombre más relevante de esa electrónica experimental altamente imaginativa que en Argentina ha encontrado en los últimos años una de sus escenas más activas e interesantes.
Hasta la fecha ha editado cuatro CDs: "Fin de siècle" (CD extra, Fin del mundo, 1999), "Música 200(0)" (CD extra, Fin del mundo, 2001), "u_2003" (CDR extra + net-disc, Fin del mundo, 2003) y por último "u_xy" (audio CD, Fin del mundo, 2005), un trabajo especialmente sobresaliente basado en la construcción sonora electrónica en tiempo real, recogiendo grabaciones efectuadas en conciertos a lo largo de diferentes ciudades europeas.
Jorge Haro tiene además piezas de música en distintas compilaciones publicadas en Argentina, Canadá, Estados Unidos, España y Polonia. Ha realizado conciertos acusmáticos, conciertos audiovisuales e instalaciones en Argentina, Uruguay, Brasil, Perú, Estados Unidos, España, Portugal, Francia, Suiza, Alemania, Polonia y Holanda.
Ha compuesto piezas en colaboración con Francisco López/Absolute Noise Ensamble, Zbigniew Karkowski y Mitchell Akiyama, entre otros artistas.
Además ha participado en festivales internacionales como Sonar, LEM, Observatori, Ertz, Confluencias, Jornadas de Arte Digital (Argentina), Interfaces_02 (Uruguay), Ares y Pensares (Brasil), 5hype (Brasil), Contacto (Perú), Sound Site (Estados Unidos), 5ta. Bienal de Video y Nuevos Medios de Santiago (Chile), Champ Libre (Canadá), Internationale Filmmusik Biennale (Alemania), etc...
Es co-director del site Fin del mundo (www.findelmundo.com.ar) y del proyecto LIMb0 (Laboratorio de Investigaciones Multidisciplinarias buenos aires ø) (www.limb0.org).
Por último, Haro es también docente en carreras de diseño audiovisual en la Universidad de Palermo (Buenos Aires) y en las carreras Gestión para las Artes y la Cultura y Artes Electrónicas de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (Provincia de Buenos Aires).
Más información Jorge Haro: www.jorgeharo.com.ar - experimentaclub data
Viernes 6 de Octubre - 19'30 h Exp'06 Programación

pap a rappper

MissHawaii	E-da

Pap A Rappper es un dúo formado por los japoneses MissHawaii (Teppei Ozawa, uno de los personajes más singulares de la electrónica bizarra de sellos como Edition Stora o 19-t Records, con discos tan recomendables como "Hotel New Hawaii") y E-da (ex-batería de The Boredoms, la percusión traducida a un ametrallamiento real). Juntos conducen este vehículo desbocado que tiene toda su razón de ser precisamente en directo, con la improvisación como método: locura, terremotos rítmicos, electrónica de juguete, gritos, rapeo cacofónico, electrofunk, caos y ruidismo se dan la mano bajo la batidora ¿pop? de MissHawaii para no dejar títere con cabeza. Del noise japonés a la new wave, de la no-wave al free-rock. Una jungla sónica anclada en la batería de E-da y propulsada por secuencias y melodías apenas dibujadas por las mil y una maquinitas que MissHawaii dispara mientras... aúlla, grita y se retuerce...
MissHawaii, como concepto y artista sonoro que trasciende por encima del propio personaje, el ya citado Teppei Ozawa, como vehículo electrónico de redefinición del pop a través de microsonidos infectados por resacas de música disco, noise, lounge y minimal techno, es en realidad el resultado de los ya más de diez años de experimentación musical que Teppei Ozawa lleva a sus espaldas. Inicialmente como batería de un grupo de hardcore y especialmente interesado en el ruidismo extremo y en la facción japonesa representada por artistas como Merzbow y bandas como The Boredoms. Posteriormente ya centrado en las manipulaciones electrónicas, lo que le llevaría a asociarse con el sello 19-t Records y a realizar en paralelo con éste sus maniobras de electrosubversión, marcadas por su propio background personal y por la utilización de melodías accesibles e influencias 100% pop. Aunque en el fondo, bajo el barniz de esa accesibilidad, lata un producto aún más tóxico...
MissHawaii ha publicado hasta la fecha dos trabajos en 19-t Records: "Untitled" (2001) y su flamante "Hotel New Hawaii" (2003). El primero es fruto de cinco años de digestión de una papilla a base de noise, sonidos latinos, country, hardcore y electrónica, hasta obtener una síntesis única y minimal de difícil definición. El segundo se muestra ya como una multiforme explosión de sonidos efervescentes con espacio para jugar con el lounge-moog en "LastSong", con el lounge de ascensor y sala de espera en "Poronno", con el pop químico y melódico en "Zen Nature" o el atropello rítmico en "I Want Do". Bizarrelectrónica sugerente y seductora. Entre la publicación de ambos discos, MissHawaii contribuyó con un tema ("Pyramid") a la compilación de 19-t Records "Apa" (2002), definido certeramente como nintendo krautrock...
Por su parte E-da, percusionista lleno de recursos imaginativos, ex-batería desde mediados de los 90 de los míticos The Boredoms (máxima célula de la experimentación radical japonesa con Yamatsuka Eye a la cabeza), a los que conoció a través de Mark Ibold (Pavement), reside actualmente en Brighton (Reino Unido). E-da también ha trabajado con Hilah (bajista de Boredoms) bajo el nombre de AOA y ha sido colaborador entre otros de Damo Suzuki (ex-Can) o CEK, proyecto de Mark Clifford (Seefeel).
Más información Pap A Rappper: www.rappper.com
Más información MissHawaii: www.19-t.com/misshawaii - www.stora.de
Más información The Boredoms: www.boredoms.co.uk - http://wiki.theppn.org/The_Boredoms
Viernes 6 de Octubre - 21'15 h Exp'06 Programación

incite/

Incite/ (Hamburgo) es un dúo audiovisual electrónico formado en 2002 por Kera Nagel (que también cuenta con un proyecto en solitario bajo el nombre de Axiomatic Integration: www.a.i.radylon.com) y André Aspelmeier (que en solitario trabaja como GradCom: www.gradcom.org).
Electrominimalismo, fragmentación digital y ritmos rotos sincronizados con vídeos abstractos de ambientes fríos y grises. El campo sonoro de Incite/ parte de un punch rítmico subterráneo, austero y a la vez lleno de una enorme variedad de matices, que sirve de colchón sobre el que crear un espectro musical (multifrecuencias) de amplios registros y tonalidades, servido a base de capas de carácter minimal que imperceptiblemente progresan a través de loops y patrones que se fracturan una y otra vez. Todo ello con el aliciente añadido de la concisión que presentan sus composiciones: temas de no muy larga duración, esquemáticos y directos al centro nervioso de la escucha.
Con la aparición de su último disco (split-CDR, Authorised Version, 2005), compartido con el holandés Staplerfaher, Incite/ se han posicionado como una de las propuestas más sólidas en el panorama de la microelectrónica europea de los últimos años. Antes ya habían publicado "Minimal Listening" (CDR autoeditado, 2003, grabado en vivo) y un 7" conteniendo los temas "Neop" / "Procedure" (Fragmented Media, finales de 2004). Trabajos sonoros que ajustados en vivo a las imágenes de vídeo adquieren su dimensión definitiva. Y es que además Incite/ es un proyecto que ha dedicado desde su creación una especial atención al directo, dotándolo de una intensidad que contrasta con lo cerebral y frío de su sonido. Kera Nagel y André Aspelmeier han realizado ya dos giras por Estados Unidos, una por el Reino Unido y una gran cantidad de actuaciones en Europa.
Al margen de su trabajo como músicos y vídeoartistas, Incite/ organizan conciertos de música improvisada en las llamadas Audiounit Series (www.audiounit.gradcom.org) y como parte del colectivo Hörbar (www.hoerbar-ev.de), punto de encuentro para músicos y público de la escena electrónica, electroacústica y de música industrial en Hamburgo.
Más información Incite/: www.incite.fragmentedmedia.org
Sábado 7 de Octubre - 21'15 h Exp'06 Programación

alfredo costa monteiro

El portugués Alfredo Costa Monteiro (Oporto, 1964), residente en Barcelona desde 1992, ha desarrollado una prolífica actividad múltiple a través de las artes plásticas, la poesía sonora/visual y el campo del sonido.
Desde que se estableciera en Barcelona, tras haber terminado sus estudios de Escultura/Multimedia en la escuela de Bellas Artes de París, ha presentado varias exposiciones individuales (desde "Sobre las Ruinas" en 1995, Pati Llimona - Barcelona, hasta "Linia de fuga" en 2005, Lainteriorbodega - Barcelona), participando asimismo en un amplio número de exposiciones colectivas y siendo residente de Hangar (Barcelona, 2001-2003), Astérides (Marsella, 2000) y Batofar (París, 1999).
Desde 1998 es miembro de 22a, un colectivo independiente para el arte contemporáneo. Además, desde 2001 forma parte también de IBA Col.lectiu D'improvisació.
En el campo de la poesía sonora, colabora de forma habitual con el poeta francés Léos Ator, escribiendo y realizando lecturas en directo en portugués, francés y castellano. Cuenta además con varias obras poéticas publicadas, como "Axiomáticas" (F30km/s, Barcelona, 2005).
Alfredo Costa Monteiro toca el acordeón, la guitarra eléctrica y el tocadiscos. Al margen de su participación en Superelvis junto a Anki Toner (hasta el abandono de éste), Raimon Aymerich y Meteo Giráldez, ha colaborado con numerosos improvisadores (tanto músicos como bailarines) nacionales e internacionales. Actualmente es miembro de las siguientes formaciones: Cremaster (con Ferran Fages), i treni inerti (con Ruth Barberán), Neumatica (con Pablo Rega) y Mut (con Pablo Rega, Ferran Fages, Avelino Saavedra y Artur Fernández).
Ha publicado cinco álbumes en solitario: "Rubber Music" (Hazard Records, 1999), "Les silences de la BnF" (Labofar, 1999), "Paper Music" (Hazard Records, 2001), "Rumeur (for solo accordion)" (Creative Sources, 2004) y "Stylt" (Absurd, 2005). Además cuenta con una amplia discografía repartida entre los proyectos de los que forma parte. Con Cremaster ha editado cinco trabajos que van desde "Oomfsquawk" (2001) hasta "32,41 n/m2" (Absurd, 2003). Y con i treni inerti dos discos más: "Ura" (Creative Sources, 2003, con Matt Davis) y "Aérea" (Creative Sources, 2005).
Otro trabajo a destacar es "Small Damage Under Appearance" (Thin Ice, 2002), firmado por el trío Margarida Garcia / Manuel Mota / Alfredo Costa Monteiro. También su participación en "Atami" (Taku Unami, Masahiko Okura, Ruth Barberán, Ferran Fages, Masafumi Ezaki, Alfredo Costa Monteiro; Hibari Music, 2003), "Atolón" (Ruth Barberán, Ferran Fages, Alfredo Costa Monteiro; Rossbin, 2004), "Cesura" (Ernesto Rodrigues, Guilherme Rodrigues, Margarida Garcia, Alfredo Costa Monteiro; Creative Sources, 2004), "Octante" (Ruth Barberán, Ferran Fages, Margarida Garcia, Alfredo Costa Monteiro; L'inommable, 2004), "Istmo" (Ruth Barberán, Ferran Fages, Alfredo Costa Monteiro; Creative Sources, 2005) y "Diafon" (Ernesto Rodrigues, Barry Weisblat, Alfredo Costa Monteiro; Creative Sources, 2005).
Asimismo ha participado en varias recopilaciones del sello francés de electropoesía L'Ovni Tendre, entre las que destaca "Doggy Style. Poèmes électroniques" (L'Ovni Tendre, 2004). En proyecto está la edición próxima de "Z=78 (pt:195,09)" (solo de tocadiscos, Audiobot) y "Barcelona" (Cremaster + Mattin, Audiobot).
Más información Alfredo Costa Monteiro: http://collectiuiba.tripod.com/miembros.htm - www.cremaster.info - experimentaclub data
Viernes 6 de Octubre - 20'30 h - Gramophonia Exp'06 Programación

nista nije nista

Nista Nije Nista es un cuarteto procedente de Viena y formado íntegramente por mujeres de nacionalidades tan diversas como Croacia, Australia, Alemania y Austria. Rebecca Harris (Australia; voces), Ute Marie Paul (Alemania; saxo), Hemma Pototschnig (Austria; ordenador y órgano) y Natalija Ribovic (Croacia; voces), todas con experiencia en el campo artístico (danza, teatro, instalaciones, performances), coincidieron en la Universidad de Viena en el año 2000. Pronto decidieron crear un grupo de música experimental y performance. Nista Nije Nista nació así con la intención de crear un ambicioso juego de contrapuntos entre sonido y lenguaje, un ensamblaje lleno de capas superpuestas: distorsiones atmosféricas, tensión, ambientes esculpidos al modo de esculturas sonoras ingrávidas, música sensual hermanada con pasajes vocales hablados y cantados, tanto en inglés como en alemán (los más armoniosos desde la voz de Rebecca Harris y los más abruptos desde la de Natalija Ribovic).
Su encuentro con Hans-Joachim Irmler (Faust) será determinante para la evolución de Nista Nije Nista. Su influencia e ideas, además de ejercer como productor, marcarán definitivamente la personalidad de un proyecto que se mueve siempre entre la performance y lo estrictamente musical. Durante tres años trabajan duramente con Irmler en sesiones y más sesiones previas a la grabación de lo que finalmente ha sido su primer disco: "Nee Niemals Nicht" (CD, Klangbad, 2004). Un arduo y meticuloso proceso creativo, con buena parte también de trabajo en el estudio, dirigido en la producción por Irmler, que se muestra como un puzzle conteniendo diversas formas artísticas. El propio carácter plurinacional de Nista Nije Nista se traduce también en ese carácter híbrido de sus composiciones. La técnica empleada para dotar finalmente a todo de una estructura compacta es la del collage (de alguna manera el método "Faust" está aquí presente). Grabaciones ambientales, ruidos de todo tipo y origen, extractos tomados de improvisaciones de saxo y fragmentos vocales hablados y cantados, entre la melodía y la cacofonía, cortados y pegados una y otra vez, se superponen unos sobre otros hasta que el collage adquiere el carácter de escultura sónica definitivamente moldeada. Todo ello construido paso a paso por la banda al completo, aportando toda clase de sonidos y fuentes sonoras a la mezcla (por ejemplo el sonido de una máquina de coser). El resultado es fascinante, un personal ejercicio de estilo que además siempre es susceptible de enriquecerse con nuevas aportaciones. Y es que Nista Nije Nista tiene en su propia acción creativa, en el constante movimiento que permite la continuada incorporación de nuevas capas y elementos, una de sus grandes virtudes.
Más información Nista Nije Nista: www.klangbad.de/nista.htm
Domingo 8 de Octubre - 19 h Exp'06 Programación

bruno & michel are smiling with skipperrr

Un cierre de festival atípico para un festival atípico... Experimentaclub se caracteriza por explorar entre los subsuelos menos convencionales y por buscar siempre la sorpresa, así que... ¿por qué no echar el cierre a Experimentaclub'06 con un live de electrokaraokepunk servido por una pareja de cantantes/bailarines/trash-stars absolutamente enloquecidos? Pues sí, efectivamente, eso es justamente lo que ocurrirá cuando este dúo de nombre imposible, formado por Oliver Bulas y Charlotte Arnhold (Hamburgo de nuevo en Experimentaclub) enciendan el interruptor de su máquina de los horrores y nos regalen su increíble microshow de electronoise trash y gameboys ululantes.
Bruno & Michel Are Smiling With Skipperrr son por encima de todo una batidora. O Una trituradora para ser más exactos. Se alimentan de mil referencias que van desde la filosofía y la teoría socialista hasta la música contemporánea (Ligeti, Xenakis, Cage...), del ruidismo japonés al hardcore digital vía los primeros Atari Teenage Riot, de la Gameboy y los vídeojuegos a los gritos y el after-after-afterpunk. Después de masticar toda esta avalancha de información, vomitan sónicamente su refrito electrónico/vocal y uno queda exhausto y a la vez irremediablemente enganchado a toda esa locura...; servida, además, con un sorprendente sentido del (anti)espectáculo: pose, vestuario y glamour trash incluidos...
Pero hay más. Su peculiar cruce de caminos entre, por ejemplo, el trash punk loco a lo Jason Forrest, el marcianismo dadaísta a lo Felix Kubin y el sampleo retro a lo People Like Us, es en el fondo tan personal y tan suyo que, lejos de convertirles en un mero pastiche, les hace ser simplemente inconfundibles. Adictivos. Y es que son especiales, no cabe duda. De entrada ellos mismos se consideran una pura contradicción: de un lado está la espontaneidad, la visceralidad y la improvisación; del otro la abstracción expuesta en sus técnicas matemáticas de composición vía laptop, las mismas que dan como resultado un complejo collage de samples extraídos de quién sabe dónde, abruptos y radicales cambios de ritmo en colisión (hardcore mutante vs melodías infantiles vs loops technotrónicos) y todo el arsenal de ruidos maquinales que uno pueda imaginar. Todo este batiburrillo se complica aún más por el hecho de ser en realidad un dúo formado por dos proyectos unipersonales: Bruno & Michel Are Smiling (o lo que es lo mismo, Oliver Bulas) y Skipperrr (Charlotte Arnhold).
La espasmódica crónica sonora de Bruno & Michel Are Smiling arranca en 2002 con su participación en el CD sampler "Nanoloop 1.0" (Disco-Bruit), una compilación con material exclusivamente creado en la Game Boy con Nanoloop (sintetizador / secuenciador desarrollado para la Game Boy), con la participación entre otros de Merzbow, Felix Kubin, AGF/Delay, Dat Politics, Pita, Pyrolator, etc. En este mismo año aparece también un tema en el 12" "Bio(Me)Tricks" (varios artistas, Sozialistischer Plattenbau). Ya en 2003, y ahora como Bruno & Michel Are Smiling With Skipper, incluyen el tema "Faith" en el doble EP de 7" "$kill$ Music" (2003, varios artistas, Sozialistischer Plattenbau). "Faith" es una locura de apenas 2 minutos llena de todos los mejores ingredientes de la pareja: gritos, aullidos y alaridos, sampleo indiscriminado, electrobeat, distorsiones varias y desquiciamiento sin respiro.
También en 2003 aparece "Living-Room Music", un miniCD de 3" autoeditado por Bruno & Michel Are Smiling, recopilando material de entre 1998 y 2002: en total 14 microtemas combinando piezas (electrodadápunk) e interludios (samples delirantes).
Definitivamente como Bruno & Michel Are Smiling With Skipperrr incluyen en 2005 un tema en la compilación "Tsunbosajiki" publicada por el sello japonés Renda Records. Y ya en este año 2006 se ponen de largo con el exquisito (exquisitamente salvaje) EP de 7" "The Beach Of Ruined Spirits" (Adaadat, impagable la portada con la pareja emulando a unos Fred Astaire y Ginger Rogers salidos del frenopático), presentando tres nuevos temas al borde de la epilepsia y el nintendoapocalípsis. "The Beach Of Ruined Spirits", "How Do You Want To Pay For A Weekend Of Truth On The Countryside" y "The Great Millipede" son las tres píldoras venenosas que comprimen el disco y que seguro karaokearán y electrocutarán en el patio de La Casa Encendida como cierre de Experimentaclub'06.
Más información Bruno & Michel Are Smiling With Skipperrr:
www.bamas.org - www.skipperrr.com - www.adaadat.com/artist.php?artist=12
Domingo 8 de Octubre - 22'15 h Exp'06 Programación

peeesseye

fotos: Josef Astor

peeesseye es un trío de Brooklyn (Nueva York) formado por Jaime Fennelly (electrónica), Chris Forsyth (guitarra) y Fritz Welch (batería, percusión y objetos). Su música, formalmente electroacústica en cuanto a medios, es ejecutada (en el sentido literal del término) desde una actitud radicalmente personal, saliéndose de esquemas preconcebidos para acabar conectando de algún modo con los pasajes más agrestes y experimentales de aquello que se llamó no-wave. Estalla en una catarsis de ruido en espiral, hermético y envolvente, a veces similar a un colchón de electricidad estática y otras clavándose como un punzón de violencia extrema.
Los tres componentes de peeesseye han estado siempre envueltos en multitud de proyectos paralelos a éste. El electronicista Jaime Fennelly ha trabajado con Nicolas Field, Chris Heenan, Sean Meehan o Chris Peck. Por su parte Chris Forsyth, guitarrista cuyo trabajo siempre ha estado orientado hacia la exploración de los límites y usos del sonido como elemento musical y de la guitarra como artefacto generador, ha mantenido también una larga colaboración con Ernesto Diaz-Infante (con el que ha publicado varios discos), Chris Heenan (con quien trabaja en formato de dúo), el cuarteto Phantom Limb & Bison (en el que también está presente Fennelly) y el colectivo All Time Present. Por último, Fritz Welch se mueve a caballo entre el campo sonoro y el visual, trabajando en instalaciones sonoras, performances, improvisación en vivo, etc, tanto en Estados Unidos como en Europa.
El primer disco de peeesseye se editó en 2003: "The ___ who had begun his career as a useful ___ of the ___ court later became the ___ of ___ and the ___ of ___." (CD, Evolving Ear). Un título "imposible" para una sesión arrebatada de electroacústica libremente personal. Ya en 2004 editarían "Black American Flag", segundo CD, también como toda su discografía en el sello Evolving Ear, donde los instrumentos parecen actuar como bisturís ultra-afilados para seccionar microsonidos estáticos con certeros golpes secos, terremotos de ruido de máxima intensidad.
Tras publicar el single "Golden Showers / Catastrophe Of The Infinite Regress" (7", 2004), peeesseye editan a mediados de 2005 un nuevo CD: "Artificially Retarded Soul Care Operators". Grabado en vivo y en estudio, éste es su más definitivo tratado acerca del encuentro entre la voluptuosidad del silencio, la tensión estática y la rabia improvisada. Ocho temas y cincuenta minutos de expresionismo sónico que en piezas extensas como "We Broke The Sun" alcanzan su máxima rotundidad. Un trabajo tan "excesivo" que de alguna manera marca un punto y aparte en la propia evolución del grupo. Algo apreciable en su siguiente álbum, grabado en vivo en Octubre de 2005 y editado finalmente en Febrero de 2006. Se trata