psychic tv

Psychic TV surgió en 1981 de las cenizas de los míticos Throbbing Gristle, la banda que junto a Cabaret Voltaire sentó las bases de todo un nuevo género sónico: vanguardia, electrónica y punk ensamblados y redefinidos para dar origen a la música industrial. Genesis P-Orridge, Cosey Fanni Tutti, Peter Christopherson y Chris Carter crearon en 1975 Throbbing Gristle y de paso revolucionaron la música experimental y electrónica del futuro, asimilando las maniobras de bandas ya clásicas como Faust para inventar a continuación un nuevo código sonoro, tóxico y contaminante como nunca hasta entonces había existido. De hecho el propio término de música industrial fue ideado en 1975 por Genesis P-Orridge durante una conversación con su amigo el artista Monte Cazazza. Y se le dió todavía mayor entidad al crear su propia compañía discográfica bajo el nombre de Industrial Records. Oscuros y autosuficientes, Throbbing Gristle llevaron hasta las últimas consecuencias su deseo de total independencia, su hermetismo hacia cualquier injerencia exterior en la ejecución (nunca mejor dicho) de sus maniobras de terrorismo electroacústico y arte hiriente.
La caja de herramientas con la que trabajaron su sonido incluía sintetizadores, cajas de ritmo, secuenciadores, cintas, efectos…; y bajo, guitarras, violines…; todo dispuesto para acometer ultraviolentos asaltos auditivos, fangos sonoros próximos a visionarios como William S. Burroughs y ultrapsicodélicos aquelarres conectados con Charles Manson… De toda esta barbarie queda testimonio sonoro en sus dos primeros LPs, "The Second Annual Report" (Industrial Records, 1977) y "D.O.A The Third And Final Report" (Industrial Records, 1978). Y también del sorprendente oasis de engañosa suavidad expuesta en forma de electromuzak en un álbum tan necesario e influyente como fue su tercer trabajo, el inolvidable "20 Jazz Funk Greats" (Industrial Records, 1979): una bucólica portada campestre y un puñado de "canciones" mutantes anticipándose al futuro.
Pero antes de llegar a Psychic TV hay que detenerse en la figura singular de ese artista único que es Genesis P-Orridge (Manchester, 1950). Músico, escritor, pintor, performer…; por encima de todo ideólogo y creador. Un personaje renacentista, capaz de otorgar su sello inconfundible a cada una de las creaciones e inspiraciones de las que ha sido responsable. Desde que concibiera en 1969 el seminal grupo de performance Coum Transmissions, Orridge ha radiografiado en sus textos y artículos los entresijos de la cultura popular. Personaje ritual por principios y por estética, envuelto permanentemente en un aura de ocultismo y sexo, Genesis P-Orridge ha diseñado proyectos, comportamientos, acciones encaminadas a hacer las veces de asaltos de guerrilla contra el convencionalismo y los mecanismos de poder. Además de Psychic TV, en 1999 creó Thee Majesty como plataforma emisora de spoken word y secuencias sonoras de ambient. Su "Expanded Poetry", improvisación oral armada por Thee Majesty (con Bryin Dall, Lady J. y Larry Thrasher), le llevó a actuar en festivales por toda Europa y Estados Unidos. Hoy, en estos primeros años del siglo XXI, Genesis P-Orridge reside en Nueva York desde donde conduce esta nueva encarnación sonora y visual de Psychic TV mientras sigue ejerciendo de lúcido y personalísimo autor, artista e "ingeniero cultural".
Volviendo al origen de Psychic TV, hay que situarse en Mayo de 1981 cuando Genesis P-Orridge, convencido de que Throbbing Gristle ya no podía ir más lejos creativamente, decide poner fin a esta aventura. El cuarteto se desmembra formando un dúo Chris Carter y Cosey Fanni Tutti (Chris & Cosey), mientras Christopherson y Genesis P-Orridge deciden seguir por su cuenta embarcados en nuevos proyectos. Será el reencuentro entonces de Orridge con Alex Fergusson (ex-guitarrista de Alternative TV) un hecho determinante para que después naciera Psychic TV, conexión traducida pronto en la composición del que será su primer tema, "Just Drifting", una balada que sedujo a Orridge por su romanticismo y su anti-industrialismo como contradicción irónica hacia el pasado de Throbbing Gristle. Este fue el motor de arranque definitivo de Psychic TV: con Genesis P-Orridge (voces, teclados, bajo, cintas, percusión), Peter Christopherson (teclados, percusión) y Alex Fergusson (guitarras, bajo, percusión, teclados), en compañía de un puñado más de acólitos como Jordi Valls colaborando de forma esporádica. Y es que formalmente, éste tampoco ha sido nunca un grupo en el sentido clásico del término sino más bien un colectivo abierto a la entrada y salida de miembros y colaboradores ocasionales.
En 1982 llega la puesta de largo discográfica de Psychic TV de la mano de un contrato con Some Bizarre y su subsiguiente acuerdo ni más ni menos que con WEA. Todo aquello fructificó en un primer álbum que hoy sigue resultando mítico: "Force The Hand Of Chance", un trabajo fascinante y lleno de sorpresas que además en sus primeras 5.000 copias venía acompañado de otro disco de regalo, "Themes". Impregnado del espíritu de optimismo positivista, incluso romántico, que había marcado la composición de "Just Drifting", aquí incluida y presentada como una balada envuelta en violines y guitarras acústicas, también extraída como single, "Force The Hand Of Chance" presentaba además temas tan pop como "Stolen Kisses", excitantes himnos funk como "Ov Power" y dos malos viajes hechos música como "Terminus" (que parecía inspirarse en Ennio Morricone) y "Guiltless", sobrecogedora canción interpretada por el mismísimo Marc Almond.
Desde aquel primer disco hasta la actualidad, Psychic TV ha producido un impresionante números de álbumes, muchos de ellos grabados en directo, además de varias resurrecciones, cambios de formación e invenciones artísticas/estilísticas siempre caracterizadas por su independencia radical. El azote del convencionalismo y del arte acomodaticio se ha mantenido intacto en Genesis P-Orridge y en todos los proyectos en los que ha trabajado durante estos años: tanto con Psychic TV como con otros como Thee Majesty. Y con él, la experimentación sin cortapisas ni clichés preconcebidos, el riesgo, el sexo, la religión, el ocultismo, todas las armas empleadas para retar al inmovilismo, al convencionalismo y a la sociedad bienpensante.
Durante los 80, Psychic TV continuaron la estela de su primer álbum con "Dreams Less Sweet" (Some Bizarre / CBS, 1983), otro disco que hoy sigue siendo imprescindible, aumentando el trío original a quinteto gracias a la incorporación de Paula P-Orridge (batería, percusión) y Geff Rushton (bajo y percusiones; aka John Balance, creador poco después de Coil junto a Peter Christopherson, abandonando los dos Psychic TV en 1984).
Musicalmente Psychic TV seguía incidiendo en la voluntad experimental y transgresora de Throbbing Gristle pero matizándola con un nuevo envoltorio y un diferente discurso alimentado por formatos pop, canciones más o menos estructuradas, melodías, incluso baladas…; conviviendo estos elementos con episodios ruidistas, collages de sonidos de carácter industrial, spoken word y pasajes de world music de aroma oriental conducidos por instrumentos étnicos (tablas, trompetas tibetanas, etc).
La intensísima actividad de aquellos años les lleva a sólo en los 80 publicar una cantidad impresionante de álbumes. Entre toda esta producción destaca la colección "Live 23 Series", intento (se quedó por poco sólo en intento) de edición de 23 discos oficiales en vivo a través de Temple Records durante 23 meses apareciendo los días 23 de cada mes... "N.Y. Scum" (Temple Records, 1984), grabado en directo a finales del 83 en Nueva York con la formación de su segundo álbum, fue el primero de estos trabajos.
En 1985 Genesis P-Orridge da una nueva vuelta de tuerca a ese espíritu de flores y sangre construido en torno a Psychic TV, editando el 12" "Godstar" (Temple Records): electropop experimental/psicodélico efervescente... Un año más tarde su reinvención psicodélica de toda la "imaginería/santería" de los 60 se traduce en el 12" "The Magickal Mystery D Tour E.P." (Temple Records, 1986), conteniendo su particular lectura de "Good Vibrations".
Ya situados en 1988 y sin Alex Fergusson (dejó Psychic TV en el 86), Orridge se convierte también en una referencia en la escena británica de club. De hecho fue también clave en el nacimiento de la escena acid house (conexión Chicago-Londres), encarnando como nadie esa explosión de psicodelia (paisaje omnipresente en el cosmos caleidoscópico de Psychic TV), expansión tecnológica y ritmos de baile. Un campo que exploraría especialmente en discos como "Tekno Acid Beat" (Temple Records, 1988), "Jack The Tab: Acid Tablets, Vol. 1" (Castalia, 1988) y "Towards Thee Infinite Beat" (Temple Records, 1990).
Después de un incidente más de los muchos que Genesis P-Orridge ha tenido con la prensa, cuando en 1992 la policía requisó vídeos, libros y revistas en su casa de Brixton tras una performance de vídeoarte que después un programa de televisión sobre el abuso a menores utilizó de forma sensacionalista, sancando todo esto fuera de contexto, los Orridge marcharon a California donde contactarían con el mismísimo Timothy Leary y se introducirían en la escena dance underground de los USA. Durante esta década de los 90 se publicaron numerosas recopilaciones, nuevas reediciones de material antiguo, remezclas y bandas sonoras como las reunidas para Derek Jarman en "Elipse Ov Flowers" (Splinter Test A, 1993). De entre las recopilaciones son especialmente interesantes las dos de singles "Hex Sex: The Singles Part One" (Cleopatra, 1994) y "Godstar: The Singles Part Two" (Cleopatra, 1995). También la compilación "Best Ov Psychic TV: Time's Up" (Cleopatra, 1999). Además Genesis P-Orridge inició en Estados Unidos en 1994 una serie de discos junto a Larry Thrasher, ambientador sonoro en estos álbumes especialmente centrados en sus trabajos de spoken word. Y hubo espacio también para nuevas encarnaciones de Psychic TV ("PTV USA 96") con material nuevo como el contenido en "Trip Reset" (Cleopatra, 1996), un hipnótico álbum de pop psicodélico que conecta desde la óptica de diez años después con los Psychic TV de "Godstar", incluyendo aquí una versión alucinada de "Set The Controls For The Heart Of The Sun" de Pink Floyd y una joya dedicada a Syd Barrett: "A Star Too Far (Lullaby for Syd Barrett)".
Ahora por fin en 2005, Psychic TV vuelven a Madrid tras aquel célebre paso televisivo por "La Edad de Oro" en 1984, y tras haber actuado en este mismo año 2005 en el Primavera Sound de Barcelona. La formación actual de Psychic TV (PTV3) presenta a Genesis P-Orridge, David Max, Alice Genese, Lady Jaye Breyer P-Orridge, Eddie O'Dowd y Markus Persson. Sus últimas ediciones son por el momento un doble CD volviendo a revisitar la figura de Brian Jones, "Godstar: Thee Director's Cut" (Temple Records, 2004), remasterizando los temas de mediados de los 80 y añadiendo nuevas mezclas y temas inéditos, y un DVD de edición limitada vendido durante su gira europea de 2004 ("Live At Thee Coral Room"), conteniendo la grabación de un concierto de PTV3 en Nueva York en Diciembre de 2003.
Más información Psychic TV: www.genesisp-orridge.com - www.fopi.net
Viernes 7 de Octubre - 22 h Exp'05 Programación

richard h. kirk

Richard H. Kirk fue uno de los creadores de Cabaret Voltaire, grupo imprescindible cuya influencia en todo el desarrollo posterior de la música electrónica y experimental es poco menos que incalculable. Sus discos de finales de los 70 y primeros 80 fueron determinantes, obras clave para establecer una nueva vertiente de sonidos y, por añadidura, una nueva actitud capaz de compatibilizar vanguardia y exploración con la ruptura, la urgencia y la heterodoxia del punk. Junto a Throbbing Gristle o The Pop Group, aprovecharon el paréntesis que sucedió al primer maremoto punk del 76-77 para de inmediato cobrar un protagonismo indiscutible. Paralelamente a la mutación que llevó a John Lydon a construir PIL y en poco tiempo facturar discos como "Metal Box", Cabaret Voltaire estaban ya filtrando las maniobras electrónicas y de vanguardia de Stockhausen, Can, Faust, Neu!, Kraftwerk y el primer Brian Eno a través de focos rítmicos heredados del mismísimo James Brown y manejando todos estos ingredientes con la inmediatez subversiva del punk. Así se puso en pie un nuevo escenario sónico alimentado por sonidos industriales, ruidismo, la combinación de tecnología e instrumentos convencionales (cajas de ritmo y sintetizadores junto a bajos y guitarras), ritmos mutantes, etc... Hoy, en torno a veinticinco años después, sólo citar el nombre de discos como "Mix-Up" o "Red Mecca" produce un respeto incuestionable.
Pero volviendo en concreto a la figura de Richard H. Kirk, no hay que olvidar que su papel en la elaboración de ese inconfundible sonido-masa de los primeros Cabaret Voltaire, semejante a un grasiento chorro de gasolina, como una aleación de hormigón y acero, puro gris, fue absolutamente determinante. Su guitarra apuntalaba las composiciones con la precisión hiriente de un martillo neumático. Pero al margen de Cabaret Voltaire, la figura de Kirk no ha caído nunca en ninguna clase de ostracismo. Al contrario, ha estado siempre alerta haciendo gala de una fecunda multiactividad plasmada en una amplísima discografía en la que siempre ha conservado intacto el compromiso con el riesgo, el afán experimental y también un interés por conducirse a través de distintas formas sonoras. Algo que le ha llevado a investigar otros territorios de la música electrónica utilizando una casi infinita lista de seudónimos (Sandoz, Electronic Eye, Citrus, Trafficante, Blacworld, Biochemical Dread, Al Jabr, Nitrogen...) y embarcándose en otros proyectos como su dúo con Peter Hope o Sweet Exorcist. Sin olvidar, claro, los trabajos firmados con su propio nombre.
Richard H. Kirk (guitarra, electrónica, vientos), Stephen Mallinder (bajo, voces) y Chris Watson (cintas, electrónica, efectos) comenzaron a tocar y realizar experimentos sonoros en Sheffield (Reino Unido) en 1973. Ya en 1975 adoptaron el nombre de Cabaret Voltaire, inspirados por el cabaret fundado en 1916 por Hugo Ball en Zurich (Suiza) que sirvió como lugar de encuentro y agitación artística para los dadaístas.
Considerados unanimemente como pioneros del rock industrial (junto a los sagrados Throbbing Gristle), Cabaret Voltaire esgrimieron en sus primeros años un más que efectivo instinto kamikaze para la transgresión sonora. Capas de ruido, distorsiones, pulsaciones maquinales, melodías dispersándose sobre secuencias de electro-ritmo, voces tratadas (loops de voz, efectos, megáfonos...). Disonancia y manipulación se daban la mano con el ritmo y los elementos más orgánicos de su música en un duelo mental y físico: cerebro y cuerpo. La técnica utilizada para construir este bunker sonoro venía marcada de manera especial por los experimentos de cut-up heredados de William S. Burroughs y Brion Gysin, incorporando así toda clase de sonidos y voces a las instrumentaciones: desde discursos de políticos a monólogos desquiciados de telepredicadores...
Marcados por la contemporaneidad del punk e influenciados asimismo por movimientos artísticos como el dadaísmo y el situacionismo, Cabaret Voltaire debutaron discográficamente en 1978 de la mano de Rough Trade con el EP de 7" "Extended Play". En 1979 aparece su primer LP, "Mix-Up", un clásico de la experimentación industrial y electrónica: atmósferas claustrofóbicas, ritmos maquinales, ruido abriéndose paso sobre las voces psicóticas de Mallinder, las cortinas de guitarra centrifugada obra de kirk...; escuchar hoy, por ejemplo, "Expect Nothing" sirve para calcular la brecha que todos esos ingredientes antes citados estaban abriendo entonces.
Tras "Nag Nag Nag" y "Silent Command", singles publicados también en 1979, aparece en 1980 la cassette "1974-1976" (Industrial Records), recopilando una selección de material grabado en sus primeros años de existencia, y el LP en directo "Live At The Y.M.C.A. 27.10.79" (Rough Trade), constancia sonora de sus inquietantes shows en vivo, en los que las proyecciones de películas y vídeo tuvieron siempre un protagonismo especial. El single "Seconds Too Late" y el 12" "Three Mantras" precedieron a su segundo LP de estudio, "The Voice Of America" (Rough Trade, 1980), algo más convencional que el primero, una transición hacia el sobresaliente "Red Mecca" (Rough Trade, 1981): un punto y aparte en la discografía de Cabaret Voltaire...; en realidad, un punto y aparte en toda la evolución de la electrónica experimental. Un trabajo lleno de hallazgos, articulado a través de nuevos códigos y lenguajes que elevan términos como "industrial" o "electrónico" a una dimensión diferente. El tratamiento del sonido, metálico, como grabado en el interior de un tanque de gasolina, puro óxido en las percusiones, marca todo el disco, desde la inicial "A Touch Of Evil" hasta esa triada formada por "Split Second Feeling", "Black Mask" y "Spread The Virus". A destacar además el papel relevante de Richard H. Kirk, tanto con sus guitarras como con el sintetizador y los vientos.
Después de que Chris Watson dejara el grupo en Octubre de 1981 (tiempo después formaría parte de The Hafler Trio), Kirk y Mallinder hicieron evolucionar el sonido de Cabaret Voltaire hacia formas cada vez más rítmicas y bailables. En 1982 apareció el doble maxi "2x45" y otro más para Les Disques Du Crépuscule. También Doublevision publicó su célebre vídeo "Cabaret Voltaire" y Rough Trade un nuevo LP en directo titulado "Hai!" (grabado en Japón), acompañados aquí por Alan Fish a la batería y percusión. Ya en 1983 se inicia una nueva etapa discográfica en el sello Some Bizarre, editando "The Crackdown", LP puente entre pasado y futuro: de la frialdad industrial al aterrizaje de los nuevos lenguajes electrónicos en las pistas de baile. Temas como "Animation" o "Just Fascination", éste también aparecido como single, reflejan esta nueva dimensión de Cabaret Voltaire. De hecho tanto "Just Fascination" como otros singles posteriores ("James Brown" y "Sensoria", 1984, ambos de su álbum "Micro-Phonies") fueron éxitos en las listas independientes británicas. Sin embargo su disco de 1985, "The Covenant, The Sword And The Arm Of The Lord", todavía recupera y actualiza algo del sonido y las formas de la primera fase del grupo.
En 1987 el dúo firma con Parlophone (EMI) y edita un nuevo LP comprimiendo sólidas descargas de electro-funk: "Code" (co-producido por Adrian Sherwood). Paso previo a su posterior conexión con el house y el acid que desemboca en el 12" "Hypnotised" y en el álbum "Groovy, Laidback And Nasty" (1990): Chicago, house y Marshall Jefferson en el universo de Cabaret Voltaire.
Finalizado su periodo en EMI, en 1991 aparece "Body And Soul", álbum editado por Les Disques Du Crépuscule. Trabajos posteriores como "Plasticity" (Plastex, 1992), "International Laguage" (Plastex, 1993) y el definitivo doble CD "The Conversation" (Apollo, 1994), reflejan la transición desde el techno hacia el ambient que domina este último trabajo, coincidente con la disolución del dúo en 1994, marchando Stephen Mallinder a Australia y prosiguiendo Richard H. Kirk su carrera en solitario, iniciada bastante tiempo atrás.
Ya en 1980 había aparecido "Disposable Half-Truths" (cassette, Industrial Records) con material grabado en 1977-78: experimentos analógicos, interferencias de radio, sintetizadores, cajas de ritmo y guitarras procesadas; tratamientos sonoros infecciosos y momentos ciertamente grandes como "Synesthesia", "Magic Words Command" o "Amnesic Disassociation".
En 1983 Kirk publica el doble 12" "Time High Fiction" (Doublevision), conteniendo entre otros temas "The Greedy Eye", y ya en el 86 vuelve en solitario con dos álbumes para Rough Trade: "Black Jesus Voice" y "Ugly Spirit", trabajos enérgicos en los que da rienda suelta a su vertiente más electrorítmicoruidista. También entonces pone en marcha otros proyectos como su dúo con Peter Hope, con el que editaría en 1987 "Hoodoo Talk" (CD, Native Records), y Sweet Exorcist (Kirk y DJ Parrot), con varios discos publicados en 1990 en el entonces recién creado sello Warp: los 12" "Testone" y "Clonk" y el álbum "Clonk's Coming", techno-acid extendido un año más tarde en "Popcone" (12", Plastex) y ya en 1994 en "Spirit Guide To Low Tech" (CD, Touch).
En 1992 crea Sandoz, aventura especialmente centrada en la fusión de dub, sonidos africanos y electrónica. Tras varios maxis, en 1993 edita el álbum "Digital Lifeforms" (Touch). Paralelamente a Sandoz, también vuelve a grabar como Richard H. Kirk el hipnótico "Virtual State" (CD, Warp, 93). Su incansable actividad le lleva a compaginar entre 1994 y 1996 de nuevo a Sandoz (tres álbumes más en Touch) con la puesta de largo de Electronic Eye con el doble CD "Closed Circuit" (Beyond, 94) y el posterior "The Idea Of Justice" (Beyond, 95). Todo esto sin contar con una nueva entrega para Warp bajo su propio nombre ("The Number Of Magic", 95) y una serie de 12" bajo diferentes seudónimos en su sello Alphaphone. La mayor parte de estos temas fueron recopilados por Touch en "Step Write Run: Alphaphone Vol 1". Un nuevo doble CD, "Intoxica", como Nitrogen, además del quinto álbum de Sandoz, "God Bless The Conspiracy", fueron editados en 1997 por Alphaphone.
"Knowledge Through Science" (CD, Blast First), uno de sus mejores trabajos como Richard H. Kirk, compuesto por un único tema que une samples, distorsión digital, rupturas de ruido y secciones ambientales, le sitúa en 1998. Año en que utiliza también otros alias como Al Jabr y Trafficante, además de volver con Sandoz en clave electro-dub en "Chant To Jah" (Touch). Al año siguiente "Darkness At Noon" (Touch) sirve de transición entre su anterior trabajo como Richard H. Kirk y "LoopStatic" (Touch, 2000): una evocadora revisión de la electrónica de mediados de los 80 (tan revisitada en estos días).
En estos cinco últimos años Kirk ha seguido trabajando en diferentes frentes y publicando abundante material: Electronic Eye ("Neurometrik", Alphaphone, 2000), Orchestra Terrestrial ("Here And Elsewhere", Die Stadt, 2001), Sandoz ("Afrocentris", Intone, 2002), Biochemical Dread ("Bush Doctrine", Cocosolidciti, 2003) y como Richard H. Kirk ("T.W.A.T. The War Against Terror", Intone, 2003). También ha editado "Unreleased Projects Vol. 1 1996-2000" (Intone, 2003), seguido un año después por "Unreleased Projects Vol. 2" (Intone) y por la excelente recopilación de Mute "Earlier/Later: Unreleased Project Anthology 74/89", conteniendo material inédito y rarezas de ese periodo, cuando aún compatibilizaba su carrera en solitario con Cabaret Voltaire.
Finalmente en 2004 ha proseguido la labor de rescate con "Unreleased Projects Vol. 3 1995-1997" (Intone) y ha publicado un nuevo álbum con su nombre: "Meets The Truck Bombers Of Suburbia Uptown Vol. 1" (Intone).
Más información Richard H. Kirk: www.richardhkirk.com - www.thegreedyeye.com
Más información Cabaret Voltaire: www.brainwashed.com/cv
Sábado 8 de Octubre - 22 h Exp'05 Programación

to rococo rot

El trío berlinés formado por Robert y Ronald Lippok (Tarwater) y Stefan Schneider (ex-Kreidler, Mapstation) lleva diez años demostrando álbum tras álbum que su imaginación no sólo permanece intacta sino que ha sabido hacer evolucionar su lujoso y exuberante pop electrónico instrumental. To Rococo Rot han hecho madurar sus brillantes combinaciones de melodía y ritmo líneal: ese tempo metronómico, hipnótico, herencia de la Alemania de Neu! y Can (la batería de Jaki Liebezeit y su golpeo matemático) y también de la Alemania secuenciada de Kraftwerk. Y han desarrollado un método sonoro personal, absolutamente reconocible, conducido por las líneas de bajo de Stefan Schneider, por pequeños apuntes de sintetizador y melodías minimales, por ese binomio bajo/batería sincronizado con secuencias y sonidos electrónicos. Música que escapa a etiquetas fáciles: synth-pop elegante, imaginativo, ensoñador, lleno de sugerentes registros que remiten a la contemplación de imágenes en movimiento.
To Rococo Rot nació en Berlín en 1995 de forma casi accidental, cuando Robert Lippok invitó a Stefan Schneider (entonces bajista de Kreidler) a colaborar con él y su hermano Ronald (50% de Tarwater) en la creación de una música para el catálogo de una exposición en una galería de arte berlinesa. A raíz de esta colaboración, Stefan Schneider compaginaría Düsseldorf con Berlín para dejar terminado a finales de ese mismo año 95 un primer álbum: "To Rococo Rot" (editado por el sello Kitty-Yo en Enero de 1996). Con Robert Lippok tocando sintetizador y manejando secuencias y efectos, Ronald Lippok haciéndose cargo de la batería, teclados y cintas y Stefan Schneider del bajo, órgano y platos, este primer disco muestra ya en temas como "Kritische Masse 1" la convivencia entre elementos acústicos y electrónicos, su punch rítmico líneal y repetitivo, ese carácter que funde con toda naturalidad experimentación y pop tan propio de la escena electrónica alemana.
Entre 1997 y 2001 el trío avanza en esta creación de un discurso propio, totalmente independiente además de sus otros proyectos. La creación de imágenes sonoras expuestas en una música altamente descriptiva y al mismo tiempo su sentido rítmico y físico (electrónica abstracta y sonidos bailables) van progresivamente matizando cada uno de sus trabajos. Así aparecen sucesivamente "Veiculo" (1997), "The Amateur View" (1999) y "Music Is A Hungry Ghost" (2001), así como un buen número de singles y EP's como los 12" "Lips" (1996) y "Paris 25" (1997), todos ellos publicados en el sello City Slang. También el mini-LP en colaboración con Darryl Moore "TRRD" (Soul Static Sound, 1998) y un álbum más en 2001, "Kölner Brett", para el sello Staubgold.
Tras "Veiculo", disco en el que resalta especialmente el tema "Mit Dir In Der Gegend", To Rococo Rot alcanzan uno de los momentos más brillantes de su trayectoria discográfica con "The Amateur View". Aquí, paralelamente a su gusto por la melodía, también hacen crecer un sonido sintético que a la vez se muestra orgánico y cálido, como bien demuestra esa pequeña maravilla de tema que es "Telema".
"Music Is A Hungry Ghost", realizado conjuntamente con el Dj y músico neoyorquino Craig Willingham (aka I-Sound), sitúa a To Rococo Rot en 2001 con un trabajo que descubre nuevas vertientes en su sonido. El álbum es fruto de sucesivos encuentros del trío con I-Sound en Berlín, Colonia y Nueva York, grabando, actuando y haciendo sesiones como Dj's. La mezcla de hip-hop, funk y techno que caracteriza a I-Sound, penetra aquí en el contexto sonoro de To Rococo Rot produciendo una extraña fusión. Cálido y cerebral a partes iguales, lleno de matices, de pequeños detalles, hay espacio para la complejidad melódica, el sintetismo traducido a ritmos minimales y también la sofisticación al abrir espacios para sutiles arreglos de cuerda, contribución hecha por el violinista Alexander Balanescu en dos temas: "Along The Route" y "From Dream To Daylight".
"Kölner Brett" (Staubgold, 2001) es un punto y aparte en la discografía de To Rococo Rot. Se trata de un álbum con doce composiciones sin título especialmente concebidas para ser en su conjunto la traslación musical de un proyecto arquitectónico (el edificio Kölner Brett) diseñado en el año 2000 por el estudio de arquitectura de Colonia "b&k+". Con ocasión de la celebración en 2001 en Orleans de Archilab (feria arquitectónica), el estudio "b&k+" y el sello Staubgold encargaron a To Rococo Rot la composición y grabación de esta música que refleja perfectamente la estructura arquitectónica del proyecto, con una concepción matemática y geométrica de los ritmos (más electrónicos que nunca) y las piezas que lo componen: doce temas, todos de idéntica duración (3 minutos exactos) que parecen encajar unos sobre otros como piezas de un mecano o ladrillos en una pared.
Así llegamos a 2004 con su flamante último álbum, el aclamado "Hotel Morgen" (Domino). Cambio de sello y un nuevo salto adelante en su elaboración de sonoras películas en movimiento. Si en cada disco anterior habían buscado dar un enfoque musical concreto al "momento", aquí vuelven a dejar que su visión se adapte a 2004 conectando al mismo tiempo con "The Amateur View" y el trabajo anterior hecho sólo en formato de trío. "Dahlem", el tema que abre el álbum, incide en su permanente búsqueda de la línea rítmica perfecta, repetitiva y metronómica, efervescente, y la melodía jugando con la misma en pequeños fraseos y respuestas. Todo desarrollado con una paleta de colores/tonalidades que remite en su brillantez y variedad a los Can de "Soon Over Babaluma" o a los trabajos en solitario de Holger Czukay. También hay espacio para ambientes densos como los de "Feld", espirales filtradas enroscándose sobre sí mismas, creciendo y empequeñeciéndose. Y para sus temas más pop, más próximos al formato de canción, como "Sol", que recuerda a los momentos más sofisticados y menos retro de otro geniecillo alemán como es Jo Zimmermann (Schlammpeitziger).
Al margen de To Rococo Rot, los tres integrantes del trío han estado y siguen estando involucrados en multitud de proyectos. Robert Lippok ha desarrollado una carrera en solitario en la que ha dado rienda suelta a su vertiente más minimalista y experimental. Debutó en 2001 en el sello Raster-Noton con el CD "Open Close Open". Más tarde ha publicado "Falling Into Komëit" (CD, Monika Enterprise, 2004) y ya en este 2005 "Tesri" (CD, Monika Enterprise), álbum realizado junto a Barbara Morgenstern.
Por su parte Ronald Lippok ha continuado junto a Bernd Jestram su trayectoria con Tarwater (que actuaron en Experimentaclub'03). Su última pincelada de electro-pop ha venido en 2005 de la mano de Morr Music: "The Needle Was Travelling".
Por último Stefan Schneider fue en 1994 uno de los fundadores de Kreidler (presentes en Experimentaclub'04), abandonando el grupo a finales de los 90 para centrarse en To Rococo Rot y además crear en el año 2000 un proyecto propio bajo el nombre de Mapstation: minimal techno + reggae, electro, funk... Tras un mini-CD en el sello Soul Static Sound, apareció un primer álbum titulado "Sleep, Engine Sleep" (Staubgold, 2000). Un segundo CD llegaría en 2002: "A Way To Find The Day" (Staubgold). Además de varios discos junto al músico de reggae Ras Donovan, Mapstation también ha publicado en 2003 "Kuchen Meets Mapstation" (Karaoke Kalk), junto a Meriel Barham (Kuchen). Stefan Schneider ha colaborado además en un CD de Bill Wells, junto a Annie Whitehead y Barbara Morgenstern, titulado "Pick Up Sticks" (Leaf, 2004), y forma parte de September Collective (junto a Barbara Morgenstern y Paul Wirkus), proyecto de improvisación, editando un álbum con este mismo nombre en el sello Geographic (2004).
Más información To Rococo Rot: www.torococorot.com - www.dominorecordco.com/artist.php?artist=180
Jueves 6 de Octubre - 22 h Exp'05 Programación

borbetomagus

foto: Paul Kelly	foto: Seth Tisue

Al hablar de Borbetomagus términos como "improvisación libre" o "free jazz" resultan ser secundarios, pese a definir perfectamente su metodología musical, ante el factor determinante de lo que realmente caracteriza al trío formado por Jim Sauter (saxos), Don Dietrich (saxos) y Donald Miller (guitarra): su apuesta absoluta por el sonido extremo, su concepción física del volumen y el ruido como elementos a explorar.
Formados en Nueva York en 1979, Borbetomagus han desarrollado a través de la improvisación un campo de batalla sonoro en el que los instrumentos se retuercen peleando entre sí, manipulados hasta descontextualizar su propio sonido y ser reciclados en generadores de feedback, taladradoras, turbinas de propulsión... Los dos saxos se entrecruzan lanzando aullidos agudos y bramidos graves similares al claxon de un camión. La guitarra barre todo el espectro sonoro con una catarata de feedback. Se puede decir de muchas formas pero lo cierto es que nada suena a lo que teóricamente debería sonar; y todo produce un cataclismo acústico de proporciones inimaginables.
Sus dos primeros discos, "Borbetomagus" (Agaric, 1980; aquí todavía como cuarteto con Brian Doherty aportando elementos electrónicos) y "Work On What Has Been Spoiled" (Agaric, 1981), son un primer esbozo de hasta donde la intensidad sonora llegaría después. El primero es una experiencia contínua dividida en cinco temas ("Concordat", 1 a 5; en su posterior reedición en CD incluiría uno más inédito: "Lost Concordat") conviviendo electrónica, noise, música concreta y free jazz. El segundo, con la colaboración de Hugh Davies y ya sin Doherty, sirve de continuación (los temas aquí van de "Concordat" 6 a 11) con un protagonismo claro por parte de la guitarra de Donald Miller.
En 1982 su tercer álbum (editado como casi todos sus discos por Agaric, su propio sello), también como el primero titulado simplemente con su propio nombre, recoge grabaciones en directo de 1979-81 en las que el sonido extremo y la manipulación del ruido a través del volumen son básicos. Exploraciones en torno a texturas y timbres sonoros expuestas en cuatro extensos temas. Pero será a partir de entonces cuando las improvisaciones de Borbetomagus adquieran definitivamente ese componente de peligro extremo similar a un salto sin paracaídas. Tensión y furia hechas sonido: Sauter, Dietrich y Miller al borde del propio límite de los instrumentos, exprimiendo hasta el último decibelio que son capaces de generar a través de pulmones, manos y máquinas. Produciendo arrebatados espasmos de free jazz noise similares a una mutación que convirtiera a John Coltrane en Jimi Hendrix después de absorber las cuatro caras del "Metal Machine Music" de Lou Reed. Así es como "Barbed Wire Maggots" (Agaric, 1983), su cuarto trabajo discográfico, atrapa al oyente: 40 minutos que posiblemente resulten su asalto más extremo en este combate de full-contact que es su música, recorriendo aquí un espectro sonoro que va de pasajes más o menos jazzísticos a la cacofonía ultra-amplificada, de la herencia de Albert Ayler a la conversión del ruido en elemento vivo y moldeable.
También en 1983 aparece "Industrial Strength" (Leo Records), firmado como Borbetomagus & Friends, con una formación extendida a septeto que incluye a Milo Fine (clarinete, piano), Tristan Honsinger (cello, voces), el gran Peter Kowald (bajo) y Toshinori Kondo (trompeta, voces), además del trío habitual. Improvisación ruidista y anarquía electroacústica que posteriormente repetirán en "Borbeto Jam" (Cadence, 1985), aparecido bajo el nombre solo de Borbetomagus, en el que recuperan el título y orden de numeración de los temas de sus dos primeros discos: "Concordat" 12 a 15.
"Zurich" (Agaric, 1985) y "New York Performances" (Agaric, 1986), sus dos siguientes álbumes, son dos implacables tsunamis que plasman parte del desmedido terrorismo sónico ejecutado por Borbetomagus. Sonido abrasivo, extremo y afilado, especialmente cercano a la improvisación ruidista europea (Borbetomagus han trabajado asiduamente con los suizos Voice Crack) y el noise japonés (con Merzbow a la cabeza). Entre medias, Sauter y Dietrich publicaron como dúo "Bells Together" (Agaric, 1985).
Entre 1987 y 1990 compaginan la edición de su primer disco junto a Voice Crack ("Fish That Sparkling Bubble", Agaric, 87) y dos nuevos álbumes: "Seven Reasons For Tears" (Purge; con la colaboración del bajista Adam Nodelmann) y "Snuff Jazz" (Agaric). En su primer trabajo junto a Voice Crack, combinando el sonido desbocado de Borbetomagus con la improvisación electrónica/ruidista del grupo de Andy Guhl y Norbert Möslang (más Adam Nodelmann), la energía física y el volumen extremo se solapan con todo tipo de objetos (tocadiscos, magnetofones, delays digitales y analógicos, etc) del mismo modo que si hubiera pequeñas manchas de color diseminadas en una superficie monocroma: tonalidades, microsonidos y texturas enriqueciendo inusualmente el habitual terremoto de Borbetomagus. Ya en 1990 Sauter y Dietrich publican "Barefoot In The Head" (Forced Exposure), trabajo junto a Thurston Moore (Sonic Youth) firmado por los tres en el que éste acopla su guitarra, utilizada de forma percusiva, al aullido sonoro de los saxos.
Durante la pasada década de los 90 siguieron combinando trabajos enteramente propios con colaboraciones y proyectos conjuntos. Ese fue el caso aún en 1989 de una nueva asociación con Voice Crack ("Asbestos Shake", Agaric) y de "Coelacanth" (Agaric, 91), junto a The Shaking Ray Levis (Dennis Palmer y Bob Stagner: sintetizadores, samplers, percusiones...). Como Borbetomagus, "Buncha Hair That Long" (Agaric, 92) es uno de sus más completos discos. Se trata de un álbum en directo recogiendo cinco temas de conciertos efectuados en 1991 en el que, a diferencia de sus otros dicos grabados en vivo, el sonido responde efectivamente al concepto extremo de las actuaciones del trío. Desde el inicial "Friendly Fire" hasta el sorprendente tema final, una lectura incandescente de "Blue Jay Way" (George Harrison / Beatles), todo el poder arrebatado de Sauter, Dietrich y Miller adquiere un nivel límite.
"Experience The Magic" (Agaric, 93; grabado en vivo en el CBGB de Nueva York), "Live At In-Roads" (PSF, 92; edición japonesa de un antiguo concierto de 1982 con la presencia de Brian Doherty), "Live In Tokyo" (Alchemy Records, 1997; brutales los casi 44 minutos de "Pachinko Cadaver") y "Songs Our Mother Taught Us" (Agaric; grabado en Glasgow y Londres) son todos álbumes registrados en directo y publicados durante los años 90. Por su parte "Concerto For Cracked Everyday - Electronics and Chamber Orchestra" (Agaric, 1994) es otro directo y además una nueva colaboración entre Borbetomagus y Voice Crack (Norbert Möslang, Andy Guhl y Knut Remond).
Durante estos últimos años Borbetomagus han seguido actuando aunque de modo más ocasional. Sin embargo en 2005 han vuelto con energías renovadas realizando de nuevo una gira europea tras varios años de ausencia. Esta gira es la que les trae también a Madrid para su actuación en Experimentaclub'05.
En cuanto a sus trabajos en solitario, Donald Miller ha trabajado frecuentemente desde 1984 con el batería William Hooker y el saxofonista Blaise Siwula. También ha formado parte de proyectos como Lhasa Cement Plant (cuarteto de dos guitarras, bajo y batería), al margen de su propio Donald Miller Trio. Por su parte Jim Sauter (saxo tenor) ha tocado y grabado con The Blue Humans, proyecto dirigido por el guitarrista Rudolph Grey. Además tanto Sauter como Don Dietrich participaron en 2002 en la grabación de "Murray Street" de Sonic Youth.
Más información Borbetomagus: www.j51.com/~borbeto - www.trouserpress.com/entry.php?a=borbetomagus
Miércoles 5 de Octubre - 19'30 h Exp'05 Programación

pluramon

	foto: Marc Comes

Pluramon siempre ha sido uno de los más impredecibles e interesantes proyectos de la inagotable factoría electrónica de Colonia. Un proyecto concebido por el siempre innovador Marcus Schmickler, artista de gran versatilidad cuyos trabajos han oscilado entre un amplio abanico de registros y contextos sonoros sin perder nunca sus propias señas de identidad. Schmickler hace gala de una libertad absoluta para saltarse todas las etiquetas y moverse sin problemas en el terreno de la experimentación a través de diferentes cauces: de la improvisación a la electroacústica, del minimal techno a la improvisación electrónica...; y de todo ello al pop-noise de vanguardia (tres o cuatro kilómetros más allá de donde My Bloody Valentine lo dejaron). En este eclecticismo estilístico, Pluramon ha desempeñado de alguna manera el papel más próximo al pop y al rock (de hecho cada vez más, como demuestra su último álbum). Del mismo modo que bajo su propio nombre o los de Wabi Sabi, Sator Rotas, etc, Schmickler ha ido construyendo una trayectoria sobresaliente que abarca diferentes polos de la más avanzada música electrónica contemporánea. Su interés por otras formas musicales y su mente decididamente abierta han servido además para que haya trabajado como músico y productor con una heterogénea lista de artistas como Thomas Lehn, Jan St. Werner (Mouse on Mars), Keith Rowe, Thomas Brinkmann o el mismísimo Karlheinz Stockhausen.
Toda esta pluriactividad tiene sus orígenes a finales de los 80. Marcus Schmickler y Frank Dommert (Sonig) ya facturaban densas raciones de electrónica industrial en 1988 cuando publicaron la cassette "Nach Schweiz" (Entenpfuhl). Ya a principios de los 90 se crea en Colonia el grupo de improvisación electroacústica Kontakta, formado por C-Schulz (Carsten Schulz), Frank Dommert, Georg Odijk, Hajsch, Monika Westphal y Schmickler, cuyo legado discográfico se reduce a una única pero casi mítica grabación en directo publicada en CD en 1992 por el sello Odd Size. Un año después edita el primer CD bajo su nombre ("Onea Gako", Odd Size), una primeriza entrega de electrónica abstracta en cuya producción es ayudado por C-Schulz, con el que trabajará también en otro proyecto de electrónica psicodélica bautizado como POL (con dos CDs publicados, "Transomuba" en 1994 y "Baby, I Will Make You Sweat" al año siguiente, ambos editados por Odd Size).
1996 es un año clave en la trayectoria de Marcus Schmickler, editando además del primer trabajo de Pluramon, "Pick Up Canyon" (Mille Plateaux), su disco firmado como Wabi Sabi en el sello A-Musik (ruido y desorganización digital entrecortados con segmentos de calma). Volviendo a "Pick Up Canyon", Schmickler incorpora ya a las texturas electrónicas una cierta orientación hacia patrones de rock instrumental. Con la aportación en el pulso rítmico del insigne Jaki Liebezeit (legendario batería de Can) y con el laptop dejando espacio también para las guitarras del propio Schmickler, "Pick Up Canyon" da una vuelta de tuerca a los ecos del rock alemán para en absoluto mirar atrás y sí avanzar en la exploración de ese terreno difuso (pero atractivo) que transita entre la electrónica y el rock experimental.
En 1998 aparece el segundo trabajo de Pluramon: "Render Bandits" (Mille Plateaux). Un paso más avanzando hacia una musculosa instrumentación y un tratamiento sonoro difícilmente etiquetable: de nuevo a medio camino entre lo digital y lo acústico pero de una solidez rítmica/física implacable en temas tan definitivos como "Gloop".
Simultáneamente a su participación dentro del colectivo MIMEO (Music In Movement Electronic Orchestra; Schmickler más Rowe, Durrant, Fennesz, Fuhler, Lehn, Matthews, Noetinger, Prins, Rehberg, Toral, Wettstein...; intensos remolinos de improvisación electroacústica), en 1999 publica ahora bajo el nombre de Sator Rotas un nuevo CD en A-Musik. Ya en 2000 colabora junto a Thomas Lehn en "Bart" (CD, Erstwhile Records), sintética fusión analógica (Lehn) / digital (Schmickler) continuada en 2003 por "Rabbit Run" (CD, Erstwhile Records), donde pasan de dúo a trío gracias a la presencia siempre perturbadora del gran Keith Rowe. Entre medias, su infatigable actividad nos deja en 2001 otro álbum más ("Param", A-Musik), éste firmado con su nombre.
Volviendo a Pluramon, en el año 2000 aparece el CD "Bit Sand Riders" (Mille Plateaux, 2000), con remezclas a cargo de Matmos, Merzbow, Lee Ranaldo, Mogwai o FX Randomiz entre otros, además del 12" también de remixes "Reservoir" (Mille Plateaux, 2000) con turno aquí para Cristian Vogel, Thomas Brinkmann, etc.
Por fin en otoño de 2003 se edita "Dreams Top Rock" (CD, Karaoke Kalk), tercer álbum de Pluramon (discos de remezclas aparte) en el que Schmickler hace que el proyecto se reinvente a sí mismo para abrir ahora caminos casi insospechados. De entrada cuenta con la participación vocal de Julee Cruise: todos la recordamos por su disco "Floating Into The Night" (en colaboración con Angelo Badalamenti y David Lynch) conteniendo el inolvidable tema de Twin Peaks "Falling". Pero además "Dreams Top Rock" es sobre todo la puesta de largo de Pluramon como proyecto de avant-pop haciendo un álbum de canciones... aunque, claro, no canciones convencionales ni avant-pop demasiado... pop. Es diferente desde el momento en que cuenta con la participación de músicos como el omnipresente Keith Rowe, Felix Kubin, Kevin Drumm, Jochen Rueckert y Hayden Chisholm al lado de la calidez vital aportada por la voz de la ya citada Julee Cruise. Es pop reconstruido a partir de poderosos muros de sonido, voces flotantes, samples de instrumentos capturados en tiempo real, riffs y distorsiones de guitarra, claroscuros brillantes, melodías envueltas en efectos y manipulaciones sonoras en absoluto gratuitas sino inteligentemente aprovechadas para dotar a las composiciones de un "algo" dulcemente melodramático. Con estos ingredientes se sucenden temas que van de la candidez perversa de un inicial "Time For A Lie" a las distorsiones melódicas de "Noise Academy" y "Log", de un "Hello Shadow" que parece conectar a unos primerizos Psychedelic Furs con los mejores Stereolab, a las guitarras acústicas y la percusión jazzística de "Difference Machine".
En 2004 y este 2005 Pluramon se ha convertido en una auténtica y literal banda de directo, actuando frecuentemente con o sin Julee Cruise. En este último caso, que es como estarán presentes en Experimentaclub'05, Pluramon funcionan como un cuarteto formado por Marcus Schmickler (guitarra, ordenador), Hayden Chisholm (teclados, guitarra), Hannes Vesper (teclados, bajo) y Daniel Schröteler (batería).
Más información Pluramon: www.piethopraxis.org - www.pluramon.com
Miércoles 5 de Octubre - 22 h Exp'05 Programación

j.g. thirlwell

foto: Taylor Crothers	foto: Sebastian Mlynarski

J.G. (Jim) Thirlwell, australiano residente en Brooklyn (previo paso por Londres), también conocido como Foetus, visionario creador de algunos de los pasajes más extremos y perturbadores que ha deparado la música de las últimas décadas: caos, ruido, deconstrucción rock, actitud, violencia/belleza, demolición, provocación, manipulación, terrorismo sónico, transgresión, sinfonismo electrónico, metal, delirios orquestales, soundtracks imaginarios, corrupción sonora... Todo ello diseñado, protagonizado y disparado musicalmente por Jim Thirlwell..., o para ser más exactos, por su interminable lista de seudónimos, alter-egos y proyectos conjuntos: Foetus, Clint Ruin, Steroid Maximus, Wiseblood (con Roli Mosimann), Dj Otefsu, Manorexia, Baby Zizanie (junto a Jim Coleman)... y también, claro, J.G. Thirlwell, que estará por vez primera en Madrid para cerrar a todo lujo Experimentaclub'05 con una muy especial sesión como Dj que promete, como mínimo, ser tan impredecible e inquietante como ese catálogo antes citado de excesos y distorsiones.
Pero sin duda es Foetus el nombre de referencia, el personaje que durante estos últimos veinticinco años ha hecho del descenso en música y palabras a los infiernos un estilo en sí mismo, una forma única de expresión tan tóxica como seductora. Un concepto que bebe del extremismo exacerbado para sabotear las estructuras más rancias del rock y toda la música contemporánea. Foetus, a través de todas y cada una de sus mutaciones, ha construido durante estos años una amplísima discografía caracterizada por la colisión constante de unos géneros musicales con otros. Y también, precisamente, por hacer mutar los despojos de esos choques hasta crear discursos sonoros nuevos parejos a las propias mutaciones de su nombre: Scraping Foetus Off The Wheel, You've Got Foetus On Your Breath, Foetus Corruptus, The Foetus All-Nude Revue, Foetus Inc., etc.
Instalado en Londres ya en 1978, su actividad como Foetus se inició en 1981 al mismo tiempo que creaba su propio sello discográfico: Self Immolation (posteriormente incluido en el catálogo de Some Bizarre). A partir de entonces su carrera es un constante foco de actividad propia y en complicidad con otros artistas como Einstürzende Neubauten, Marc Almond, Nick Cave, Lydia Lunch, Coil, Swans, Matt Johnson, Don King, etc.
Su discografía como Foetus, iniciada en ese año 1981 con el nombre de Foetus Under Glass y el single "OKFM", con un primer álbum llamado "Deaf" (Self Immolation, 81) aparecido bajo el nombre de You've Got Foetus On Your Breath, incluye discos tan visionarios como "Hole" (Self Immolation-Some Bizarre, 1984) o "Nail" (Self Immolation-Some Bizarre, 1985), ambos firmados como Scraping Foetus Off The Wheel. Dos álbumes sobrecogedores recogiendo la transición desde el electro-swing-trash del primero al tremendismo orquestal y apocalíptico del segundo: resacas wagnerianas, crescendos llevados hasta el límite, Bernard Herrmann pasado por una centrifugadora y sexo, sudor y blues psicótico.
Utilizando el nombre de Clint Ruin, en 1986 crea Wiseblood junto a Roli Mosimann (ex-Swans), editando dos maxis y el LP "Dirtdish" (K-422, 1987). También como Clint Ruin publica junto a Lydia Lunch (musa y compañera de vicios durante bastantes años) ese festín de carne, sexo y metal que es "Stinkfist" (12", Widowspeak, 1987).
"Thaw", como Foetus Interruptus (Self Immolation-Some Bizarre, 1988), es probablemente su trabajo más sucio y retorcido: un cóctel agrio compuesto por guiños al hard-rock, espasmos de trash-blues y sus habituales orquestaciones épicas. Precedido por varios discos en directo, con mención especial para "Rife" (Foetus Corruptus, 1988), "Gash" (Big Cat, 1995), envuelto en una producción apabullante, es una inmersión en el barro/fango tecnológico para plasmar un delirante carrusel de jazz, blues, circo, heavy metal, aromas hindúes, destrucción y demente sentido del humor y del mega-espectáculo. Y si seguimos avanzando a través de sus trabajos más reseñables como Foetus, la siguiente parada sería "Flow" (Thirsty Ear, 2001): producción todavía más demoledora para vestir esas secuencias sonoras que por ejemplo en la impresionante "Suspect" son puro cine de suspense virtual. Finalmente en este año 2005 ha aparecido "Love" (Birdman Records), el que por ahora es su último álbum.
Al margen de Foetus, Steroid Maximus es uno de sus proyectos más ambiciosos. Música instrumental en la que son protagonistas sus composiciones de ambiente cinematográfico, falsas bandas sonoras que juegan con los géneros y los clásicos: cine negro, espías, suspense, acción...; John Barry, Morricone... Soundtracks imaginarios y también supuestas músicas étnicas de civilizaciones inexistentes. Ideas y sonidos plasmados en electrónica de sabor retro, grandes instrumentaciones y arreglos orquestales, con discos como "Quilombo" (Big Cat, 1991), "Gondwanaland" (Big Cat, 1992) y "Ectopia" (Ipecac, 2002).
Manorexia es otro vehículo utilizado por Thirlwell para presentar sus obras instrumentales, en este caso las más oscuras y menos etiquetables. Con este proyecto ha editado dos álbumes: "Volvox Turbo" (Ectopic, 2001) y "The Radiolarian Ooze"(Ectopic, 2002). Por su parte Baby Zizanie, proyecto en colaboración con Jim Coleman, está centrado en el campo de la improvisación en vivo vía laptop y visuales. Cuenta con un mini-LP editado: "Thalassaphobia" (Nail Records, 2003). Además Jim Thirlwell ha trabajado asiduamente como productor y remezclador: White Zombie, Boss Hog, Coil, Swans, Cop Shoot Cop, Silverfish, Nine Inch Nails, etc, etc...
Más información J.G. Thirlwell: www.foetus.org
Domingo 9 de Octubre - Dj - 21 h Exp'05 Programación

people like us

La británica Vicki Bennett es un claro nombre de referencia en el campo del apropiacionismo y el no-copyright. Su música es un rompecabezas cuyas piezas proceden de ese inmenso "basurero" que es la cultura pop, contenedor en el que se acumulan para su particular concepción del reciclaje desde hits de la música de usar y tirar hasta el microcosmos de las 625 líneas del mundo de la televisión, pasando por bandas sonoras y cualquier sonido de la segunda mitad del siglo XX susceptible de ser recortado y pegado. Con un afilado sentido del humor, Vicki Bennett hace con estos elementos abracadabrantes ejercicios de recomposición y recontextualización.
Pero su acción de saqueo no se detiene exclusivamente en lo musical. También se extiende al terreno de la imagen, adquiriendo un protagonismo evidente en sus conciertos: shows audiovisuales en los que música y vídeo funcionan como un único elemento; coloridas postales recorriendo toda la iconografía del universo pop para volverla del revés; estampas autistas de la clase media y la sociedad de consumo; y especialmente, como una constante en todo su trabajo, el progreso tecnológico de las últimas décadas expuesto desde el punto de vista cotidiano de cómo el mismo cambia día a día nuestras vidas. Todo ello presentado en forma de collages animados en los que se yuxtaponen las imágenes en sincronía con los collages sonoros de sus composiciones musicales. Una deliciosa y siempre sorprendente sátira audiovisual del pasado y el presente de la cultura occidental.
Concebido como un combativo vehículo de reciclaje artístico, como un proyecto destinado a poner en la picota la propiedad intelectual y el sistema diseñado para hacer de la misma un instrumento de control, People Like Us (o lo que es lo mismo, Vicki Bennett) es junto a otros francotiradores apropiacionistas como John Oswald o Negativland, una de las figuras más imaginativas en este arte del sampleo libre concebido como herramienta de creación.
Desde 1992 Vicki Bennett ha construido a través de People Like Us una extensa obra plasmada en discos, proyectos multimedia, programas de radio, etc. Su discografía presenta trabajos tan interesantes como los publicados por el sello Staalplaat, entre los que destacan "Lowest Common Dominator" (1994), "Beware The Whim Reaper" (1996) y "Hate People Like You" (1997). En 1999 también en Staalplaat apareció el doble CD "Hate People Like Us", disco de remixes a cargo de Coil, Negativland, Bruce Gilbert (Wire), Mika Vainio, Felix Kubin y Stock, Hausen & Walkman entre otros.
Ya en el año 2000 publicó "Thermos Explorer" (CD, Hot Air), otro de sus trabajos más destacados. También "Recyclopaedia Britannica" (CD, Mess Media, 2002) y sus discos de 2003 junto a Matmos y Wobbly May ("Wide Open Spaces", Tigerbeat6) y junto a Kenny G ("Nothing Special", Mess Media), figuran entre lo mejor de su trayectoria discográfica, cuya última entrega es por el momento el CD "Windpipe Moods" (Mukow, 2004).
Entre sus trabajos visuales hay que destacar "We Edit Life" (2002) y "The Remote Controller" (2003), en los que utiliza la última tecnología para reciclar y editar un amplísimo archivo de imágenes de entre 1930 y 1980, consiguiendo así conectar el pasado con el presente en un particular juego de magia tecnológico que además tiene en el humor uno de sus mejores ingredientes.
Su actividad la ha llevado a participar en numerosos encuentros y simposiums como el celebrado en 2003 bajo el nombre de "Sample Culture Now", junto a Christian Marclay y Mark Leckey entre otros. También ha presentado su trabajo en universidades, centros de arte y festivales de toda Europa y América.
En 2004 Vicki Bennett ha trabajado en una nueva obra audiovisual llamada "Magic In The Air". También el pasado año apareció un álbum online de People Like Us, "Abridged Too Far", en mp3 y sólo disponible vía internet (en Ubuweb), planteando una vez más que la red es en sí misma una forma de distribución mucho más efectiva que la tradicional.
En 2005 Vicki Bennett ha terminado de diseñar un nuevo show y ha realizado conciertos tan destacados como el que tuvo lugar este verano en el National Film Theatre de Londres.
Más información People Like Us: www.peoplelikeus.org
Sábado 8 de Octubre - 19'30 h Exp'05 Programación

parker & lily

fotos: Kate Zimmerman

Son únicos, inclasificables, un estilo en sí mismos. Parker & Lily son la versión musical del David Lynch más agridulce, el que se mueve al ralentí entre la fantasía y la realidad más turbia. Exactamente como ellos y sus canciones. Un pequeño universo personal en el que habitan sueños perversos, historias cotidianas, intimidades a punto de desvelarse y una voz que canta perezosamente un racimo de canciones paranoicas. Eso es Parker & Lily, sin duda una de las más gratas sorpresas musicales de los últimos años.
Como un flashback que conecta 2005 con los últimos años 50 y primeros 60, en un technicolor digno de los melodramas de Douglas Sirk, con borrosos ecos de las grandes melodías de Roy Orbison, las baladas de los Platters, las bandas sonoras de Lalo Schifrin, Henry Mancini o John Barry, con el mismo espíritu enfermizo que habitaba en "Blue Velvet" recorriendo sus discos, Parker & Lily construyen enormes canciones con elementos mínimos y al borde mismo del precipicio y la nada: son casi estáticos cantos inundados de reverb que parecen escuchados desde el fondo de un bar de autopista en la madrugada. Velvet Underground (primera época) y Galaxie 500 son otros dos nombres que vienen a la memoria en esa conexión pasado-presente-futuro a la que Parker & Lily guiñan el ojo maliciosamente, alterando la percepción del tiempo y la música gracias a viejos instrumentos desempolvados y a un tratamiento sonoro que contribuye a alimentar la sensación onírica de sus canciones. La voz de Parker Noon parece venida del más allá, flotando en reverberación: un susurro ecualizado de tal modo que se asemeja a las voces de una vieja radio de onda media. Al contrario que la de Lily Wolfe, cálida y llena de reminiscencias de, por ejemplo, Julee Cruise. Las melodías, pura melancolía en estado crítico, tienen siempre un halo cinematográfico y narrativo. Todo, absolutamente todo, parece suspendido en el tiempo y en el aire, apoyado por distintos timbres de órgano (Farfisa, Hammond, AceTone) y el sonido inconfundible del piano eléctrico Rhodes. Guitarras eléctricas que remiten a finales de los 50, vibráfono, sintetizadores analógicos y prehistóricas cajas de ritmo terminan de dar este barniz retro que toda su música destila...
Lo-fi, micropop electrónico, exquisitez y sofisticación cohabitan así en ese catálogo de pequeños desastres cotidianos que son sus canciones. Y también lo hace su vocación experimental en la búsqueda y creación de un pop imposible de encajar en ningún sitio, opuesto a cualquier cliché convencional. Como ellos mismos dicen, "experimentar es el único sistema aceptable de creación artística"; y en Parker & Lily esto se aprecia en lo radicalmente personal y único de su propio carácter.
Creados en Nueva York en 2001 a partir de su anterior formación Valentine Six, Parker Noon (voz, guitarras, caja de ritmos, sintetizador) y Lily Wolfe (órgano, piano eléctrico, vibráfono, sintetizador, voz), entonces también pareja en la vida real, debutaron discográficamente como Parker & Lily con "Hello Halo" (Orange Recordings, 2001). Un primer álbum en el que contaron con la colaboración de Matt Verta-Ray (steel guitar) y Tony Corsano (batería), conteniendo ya pequeñas joyas de pop introspectivo y minimal, bocados de irrealidad tan sugerentes como "My Golden Arm" o la estática "Desert Holiday".
Ya en 2002 editan "Here Comes Winter" (Manifesto / Houston Party Records), de nuevo con la presencia de Matt Verta-Ray y Tony Corsano en algunos temas además de la de Brian Wolfe (trompeta). Desde la delicia pop que Lily aporta a "My Apartment Complex" hasta la melodía enigmática, bella y extraña a partes iguales (vibráfono, guitarra y caja de ritmos), de la magnífica "Snow Day", todo el disco transmite una enfermiza sensación de placidez irreal. Hay un rastro de dolor oculto en "You Are My Matinee"; inquietante música instrumental de aroma cinematográfico en "Violet In Violet"; romanticismo sucio apuntalado por guitarras venidas de cincuenta años atrás en "Bridge And Tunnel"; electro-bossa-muzak en "Planes In Clouds" y miniaturas cubistas como "Interior: Airport"...
Tras la publicación de "Here Comes Winter" el dúo se amplía con la inclusión de Christina Campanella (teclados) como tercer componente. Aparecido ya en 2004, "The Low Lows" (Warm / Houston Party Records), su tercer y último trabajo hasta la fecha, es un disco sobresaliente en el que las heridas sonoras de Parker & Lily han madurado hasta ser cicatrices más profundas y oscuras que nunca. Tal vez porque durante la grabación la pareja formada por Parker Noon y Lily Wolfe se rompiera tras diez años de romance o quizá simplemente porque sus composiciones han terminado por centrarse en una dirección muy concreta, lo cierto es que "The Low Lows" es, como el propio tema que abre y da título al álbum, un ejemplo de ruptura y vacío hechos música (sensación de ruptura que recorre de principio a final temas como "I Am A Gun"). Hay además una mayor sofisticación en la producción, al punto de que en "June Gloom" construyen la quintaesencia perfecta de la balada emocional elevándola aquí a una monumentalidad exquisita en los arreglos de trompeta y cuerdas. También una mayor presencia de batería y guitarras, dejando que punzadas de feedback taladren de cuando en cuando las melodías, soltando arañazos de tensión eléctrica en piezas tan desgarradas como "The Last Good Night". Pero Parker & Lily no serían lo que son si no hubiera también un pequeño espacio para sus píldoras de retropop (vía caja de ritmos y moog, como en "Suit Of Fire"), los instrumentales de ambiente cinematográfico ("Invisible Cities") y algún que otro homenaje como sucede aquí con "Candy's Last Day" y la Velvet Underground.
Poco después de terminar "The Low Lows" Christina Campanella dejaba el grupo siendo sustituida por Daniel Rickard. Parker & Lily funcionan actualmente como un cuarteto (Parker Noon, Lily Wolfe, Daniel Rickard y Jeremy Wheatley a la batería), dedicando buena parte de este año 2005 al directo. También están ultimando el que será su cuarto álbum.
Más información Parker & Lily: www.parkerandlily.com
Jueves 6 de Octubre - 19'30 h Exp'05 Programación

tujiko noriko

Nacida en Osaka y ahora residente en París, Tujiko Noriko lleva desde 1999 revolucionando las esencias del pop electrónico con una irresistible pócima rebosante de misterio, belleza, vanguardia y expresividad. Es única, por mucho que se citen sus posibles puntos en común con Bjork (bastante incomprensibles por cierto). Su avant-pop digital es un personal ensamblaje de capas electrónicas vía laptop, entre la fragilidad melódica y el minimalismo oscuro, voz (la mayor parte de los textos son en japonés) y una elegante forma de cantar llena de matices y registros.
Tras iniciarse en la música como cantante, en 1999 compró su primer sintetizador y sampler. Su álbum de debut fue "Keshou To Heitai" ("Make-Up and Soldier"), grabado en Enero de 2000, en el que aparecen ya algunos trazos de lo que después desarrollará ampliamente en trabajos posteriores: el envolvente trazado melódico-orquestal de "Anti Newton" o la repetitiva hipnosis maquinal de "A's Traveling". Meses más tarde comenzó a preparar el material que después daría forma a su segundo disco, "Shojo Toshi". Entre medias, en Diciembre de 2000 contacta con Peter Rehberg (Pita) a la vez que se une al proyecto SlideLab (Yoshihito, Marumaru, Noriko) y al lanzamiento de la revista OK FRED.
En 2001 se publica finalmente "Shojo Toshi", primero de sus trabajos para Mego. Es a partir de este momento, coincidiendo con su incorporación al catálogo de Mego, cuando Tujiko Noriko comienza a ser conocida en Europa. "Shojo Toshi" presentaba ya esa dualidad que hace que su música sea al mismo tiempo extraña y accesible. De la exquisitez absoluta de "White Film" (sencillamente una gran canción) a la obsesiva secuencia rítmica de "Bebe", del electrónico vals minimal de "Marble Waltz" (sorprendente) al pop microscópico de "Differencia", todo el disco oscila entre las instrumentaciones electrónicas mínimas y el calor melódico de la voz.
Ya en 2002 edita primero "I Forgot The Title" (12" conteniendo cinco temas, de los cuales cuatro proceden de su disco de debut "Keshou To Heitai") y posteriormente su tercer álbum "Hard Ni Sasete" ("Make Me Hard"), los dos editados en Mego. Este tercer trabajo profundiza en la composición de collages digitales, pequeñas distorsiones que entran y salen bajo susurros y espirales de voz, melodías cortadas y vueltas a pegar. Así transcurren los cinco minutos largos del primer tema, un irresistible "Shore Angel" que abre el disco como quien abre la puerta de un dormitorio y penetra en una intimidad desconocida. Así funciona el microcosmos sónico de Tujiko Noriko: a un paso del pop de juguete y a dos de la deconstrucción pop... Aunque sólo sea por el encantamiento crepuscular del cuarto tema ("Call My Name"), acompañada aquí en las voces por Yoshihito Tsujimura, un irresistible derroche de simplicidad (en el sentido grandioso del término), belleza estática y crescendos arrebatadores, ya valdría la pena hacerse con este prodigio de artificialidad orgánica que es "Make Me Hard".
En 2003 Tujiko Noriko inicia una nueva fase postMego publicando en el sello Tomlab el CD "From Tokyo To Naiagara". Producido por Aki Onda y con una mayor presencia de sonidos naturales y acústicos al tiempo que un más claro contenido rítmico (esa pesada percusión metálica de "Tokyo Tower"), "From Tokyo To Naiagara" es quizá un trabajo más pop que los anteriores aunque temas tan especiales como "Robot Hero" y su perezosa y triste cadencia se encarguen de romper cualquier ecuación preconcebida.
Además de sus trabajos en solitario, Tujiko Noriko ha colaborado con otros músicos como Aoki Takamasa, Riow Arai o Lionel Fernandez. Con Peter Rehberg (Pita) ha trabajado en el proyecto DACM, editándose en 2004 el CD "Stéréotypie" (Asphodel): música concebida para un espectáculo coreográfico y teatral.
Más información Tujiko Noriko: http://tujikonoriko.com/
Jueves 6 de Octubre - 21'15 h Exp'05 Programación

vert

Vert, nombre bajo el que se oculta Adam Butler, es un proyecto singular dentro del panorama experimental de los últimos años. Este británico residente en Colonia (Alemania) se ha empeñado siempre en desbaratar cualquier cliché preconcebido acerca de términos como vanguardia y electrónica. Su música respira pequeñas bocanadas de aire, cogiendo un poco de aquí y allá, mezclando piano (elemento omnipresente en el peculiar mundo sonoro de Vert), acordeón, teclados y electrónica con la misma naturalidad con la que un camaleón cambia de aspecto.
Del minimalismo a la deconstrucción jazzística, de la jungla electrónica de Colonia (con Mouse on Mars y el sello Sonig a la cabeza) a la música contemporánea...; todo en Vert es posible, el humor, la tensión ruidista y la profundidad, articulándose sin aparente esfuerzo en un cóctel irresistible.
Adam Butler empieza a trabajar como Vert en 1996, año en que edita el 12" "Broken Breakbeat Bebop" en un sello de corta vida llamado Bovinyl, creado por el propio Butler junto a Tim Gould (Milky Boy) y Andrew Coleman (Animals on Wheels). Ya en 1999 tiene lugar su encuentro con el sello Sonig y el círculo de Mouse on Mars. Ese mismo año aparece un nuevo 12" "Mewantemooseic" previo a su primer y sorprendente álbum: el increíble "The Köln Konzert" (Sonig, 2000), deconstrucción piano/electrónica de ese célebre icono del jazz que es "The Köln Concert" de Keith Jarret. Calificado por la revista The Wire como uno de los mejores discos electrónicos del año 2000, "The Köln Konzert" transcurre lentamente a lo largo de sus cinco partes fundiendo de forma excepcional una amplísima gama de registros y matices. Es música en constante movimiento y acción, hasta cuando aparentemente se muestra inmóvil. Vert voltea los patrones jazzísticos para convertirlos en complejos entramados rítmicos salpicados de ruidos, texturas abstractas y melodías emergentes. Una maravilla.
Ya en 2001 aparece "Moremooseicforme" (12", Sonig) precediendo a su segundo álbum "Nine Types Of Ambiguity" (Sonig). El mosaico colorista de Vert incluye también aquí minimales toques de dub ("Blindsight") apenas insinuados bajo cachivaches y microsonidos varios. Microritmos, apuntes de alguna clase de funk/jazz selvático de juguete ("The Tide Comes In And Then The Tide Goes Out"), maquinales transmutaciones de electromuzak ("To Doo Is To Be") y el definitivo collage orgánico de "Scope / Lifetime" confirmando su talento nada usual, son sólo algunas pinceladas de lo mucho que contiene este disco en el que, por cierto, el piano pierde protagonismo.
Tras haber compartido gira por Estados Unidos y Japón con Mouse on Mars, Adam Butler se instala definitivamente en Colonia. En 2003 edita "Small Pieces Loosely Joined" (Sonig), un tercer trabajo rotundo y exquisito. Ya desde la inicial "Pattern Matching", con su cóctel de piano, electrónica y acordeón, uno tiene la sensación de encontrarse ante una nueva visión del pop (en el sentido absoluto) que asimila poesía y tecnología, espontaneidad y mecánica, clasicismo y futurismo. A partir de aquí el carrusel no tiene fín: es puro nervio en "I Always Lie" y hasta se vuelve ragtime juguetón en "Octatone Rag" (Pierre Bastien encajaría a las mil maravillas por aquí), antes de los siete minutos de austeridad experimental de "Against The Diagram Makers" y el extenso tema final (más de 34 minutos) titulado "Turn Right And Straight On Til Morning" que explora los lindes de la música contemporánea para después detenerse en un infinito loop hipnótico.
También en 2003 abre un nuevo capítulo musical bajo su propio nombre de Adam Butler dirigido especialmente a la experimentación con el piano, tanto tocado como procesado. Así publica "Schmoozing With The Après Garde" (CD, Whatness). También realiza un insólito concierto de 5 horas de duración en la Schnittraum Gallery de Colonia bajo el título de "Everything I Know", tocando todas aquellas composiciones suyas que era capaz de recordar.
Vert era uno de los artistas previstos inicialmente para la pasada edición de Experimentaclub (2004), pero su presencia resultó imposible ya que escasos meses antes su estudio de Colonia fue completamente desvalijado. Los ladrones no sólo se llevaron todo el equipo y ordenadores, sino también todos los backups... Es fácil imaginar lo que debe sentirse en una situación así, cuando ves todo tu trabajo perdido y casi te ves obligado a comenzar de cero... Al margen de este percance, Vert aún pudo en 2004 componer e interpretar en directo dos bandas sonoras para las películas mudas "Der müde Tod" (Fritz Lang, 1921) y "Der Student von Prag" (Stellan Rye, 1913).
Hoy, ya en 2005 y tras su paso por el último festival Sónar, Vert viene a Madrid con motivo de Experimentaclub'05 con una formación de trío realmente especial: Adam Butler (piano, laptop, voces), Fedor (doble bajo) y otro de los artistas de Sonig, el mismísimo DJ Elephant Power (platos, laptop).
Más información Vert: http://mooseic.org/
Viernes 7 de Octubre - 19'30 h Exp'05 Programación

orfeón gagarin

El madrileño Miguel Angel Ruiz es uno de los nombres de referencia de la electrónica experimental en España. Junto a artistas como Esplendor Geométrico, Macromassa, Francisco López, Avant Dernières Pensées, Comando Bruno, Diseño Corbusier, etc, fue en los primeros 80 uno de los pioneros de la creación electrónica más arriesgada y underground de nuestro país. Tiempos, por cierto, a recuperar por lo mucho y bueno que se grabó durante aquellos años por parte de los artistas antes citados y otros más. Y tiempos además en los que, sin una mínima infraestructura discográfica en cuanto a sellos y distribución, sólo subsanada por la aparición de pequeñas compañías como Discos Esplendor Geométrico o Línea Alternativa, muchos de estos artistas recurrieron a la autoedición a través de cassettes creándose sellos como I.E.P., Necronomicón, Proceso Uvegraf, Auxilio De Cientos, Clonaciones Petunio, etc, etc.
Este fue precisamente el caso de Miguel A. Ruiz, quien creó en 1986 su propio sello unipersonal de cassettes bajo el nombre de Toracic Tapes. Desde entonces, en éste y otros sellos nacionales, europeos y americanos, publicaría un extenso catálogo de grabaciones utilizando diferentes seudónimos en función de cada proyecto: Orfeón Gagarin (el más conocido), Ventral Metaphor, Funeral Souvenir, además de las trabajos publicados bajo su propio nombre o su faceta como Exhaustor ya bien entrados en los años 90.
M.A. Ruiz comienza en 1982 a grabar en su casa piezas de música electrónica abstracta y seudocósmica con su recién estrenado Korg MS-20, ese encantador a la vez que desquiciante sintetizador al que alguien (al menos en nuestro país por lo mucho que ha dado de sí) debería homenajear como es debido. A falta de medios y multipistas, el método de grabación consistía en tapar la cabeza borradora de su radiocassette con celofán para poder así grabar pista sobre pista. En 1986 inaugura el catálogo de Toracic Tapes con la mítica primera cassette de Orfeón Gagarin. Musicalmente funciona como un ecléctico combinado que presenta desde sonidos ambientales a ruidismo industrial pasando por ejercicios de cut-up y algún que otro devaneo étnico. A partir de aquí, la producción de Miguel A. Ruiz es contínua, editando entre 1986 y 1992 más de una docena de grabaciones en cassette tanto como Orfeón Gagarin como bajo su nombre o los alias de Funeral Souvenir y Ventral Metaphor. Trabajos como "KEDR" (Orfeón Gagarin; Toracic Tapes, 1987), "Batan Bruits" (Orfeón Gagarin, compartida con Francisco López; I.E.P., 1987), "La Noche del Anhídrido" (Funeral Souvenir; Toracic Tapes, 1987), "El Niño Carburador" (Miguel A. Ruiz; Línea Alternativa, 1989), "Biscuit Circuit" (Ventral Metaphor; Bestattungsinstitut, 1991) o "Vasarely" (Miguel A. Ruiz; Hyades Arts, 1991) son hoy por hoy objetos de culto dentro de la historia de la experimentación electrónica en España.
En 1991 una cinta enviada a Asmus Tietchens dará lugar finalmente al que será su primer y magnífico LP "Encuentros en la Tercera Edad" (Miguel A. Ruiz; publicado en Hamburger Musikgesellschaft, el sello de Tietchens), grabado en Hamburgo con el propio Tietchens y Okko Bekker. Ya en 1994 aparece "Contestación Capilar", CD recopilatorio de Orfeón Gagarin publicado por Línea Alternativa / Hyades Arts y dos años más tarde, en 1996, ahora bajo el nombre de Exhaustor, presenta una nueva faceta sonora orientada al techno más rítmico e implacable, cuya puesta de largo discográfica fue "Coaxial" (CD, Línea Alternativa, 1996).
Miguel A. Ruiz ha colaborado activamente con otros artistas como Luis Mesa (creador del sello de cassettes I.E.P.), con el que editaría tres cintas entre 1986 y 1989 bajo el nombre de Técnica Material. También con el alemán Siegmar Fricke (Efficient Refineries, con varios CD-Rs publicados entre 1995 y 2003), Francisco López, Dieter Mauson, etc.
Con Héctor Hernández publicaría en 1989 la cassette "Han llegado los robots" (I.E.P.), concebida como una hipotética banda sonora y cuya fuente de referencia es el libro de Rolf Strehl "Die Roboter sind unter uns", aparecido a finales de los años 50. "Han llegado los robots" es hoy actualidad por su reciente y cuidadísima reedición remasterizada (CD, Bratan Bruits, 2005).
La presencia de Miguel A. Ruiz en Experimentaclub era algo que antes o después tenía que llegar. 2005 ha sido el año y Orfeón Gagarin el nombre con el que hay una cita obligada, el encuentro con uno de los audio-artistas electrónicos más respetados de nuestro país.
Más información Orfeón Gagarin:
www.batanbruits.com - www.ccapitalia.net/radar/informacion/index.htm - experimentaclub data
Viernes 7 de Octubre - 21'15 h Exp'05 Programación

gert-jan prins

El holandés Gert-Jan Prins es uno de los artistas más relevantes en el panorama europeo de la música electrónica improvisada. Prins ha orientado su trabajo hacia la investigación de las posibilidades del ruido y su utilización en un universo polirrítmico propio, valiéndose de la manipulación analógica de ondas de radio por medio de un equipo especialmente diseñado por él tanto para directo como para sus instalaciones sonoras. Transmisores, receptores, generadores de ondas, aparatos de TV y otros objetos generan un proceso mecánico de sonido en el que las interferencias y las frecuencias extremas construyen con gran energía física tejidos rítmicos de ruido. Un campo éste que tiene claros precedentes en los diseños electrónicos de David Tudor (colaborador de John Cage) y que también le conecta con los trabajos del dúo suizo Voice Crack.
Prins trabaja regularmente en el STEIM (Studio for Electro-Instrumental Music) de Amsterdam y además de su trabajo en solitario está o ha estado involucrado también en otros proyectos: su trío con Misha Mengelberg y Mats Gustafson, trío con Peter van Bergen y Christian Fennesz, United Noise Toys (con Anne La Berge), E-RAX (con Peter van Bergen, Thomas Lehn y Petra Dolleman), The Flirts (dúo junto a Cor Fuhler), MIMEO (Rowe, Durrant, Fennesz, Fuhler, Lehn, Matthews, Noetinger, Prins, Rehberg, Schmickler, Toral, Wettstein...), The Vacuum Boys, etc, reflejados todos en una extensa discografía. Además ha colaborado con Lee Ranaldo, Pita, Fennesz, Domenico Sciajno, etc.
Prins, que comenzó su carrera musical como batería, descubrió pronto las posibilidades de manipulación sonora que los aparatos de radio ofrecen. Durante los años 80 y los primeros 90 tocó la batería en varios grupos de improvisación al tiempo que poco a poco iba introduciéndose en el terreno de la electrónica. Finalmente en 1998 abandonaría definitivamente la batería para desarrollar desde entonces su faceta como creador electrónico paralelamente al diseño de sus propios "instrumentos" sonoros: máquinas que esencialmente son aparatos caseros de radio realimentándose a sí mismos a los que hace "trabajar" con un pulso rítmico que significativamente conecta con su anterior faceta como percusionista.
Influenciado en sus trabajos en solitario por "la música y la mentalidad" de Iggy y los Stooges, Pita, el "White Light / White Heat" de la Velvet Underground o Pan Sonic, la discografía publicada bajo su nombre contiene trabajos tan notables como "Prins Live" (CD, Grob, 2000), "rg 58 gj" (12", Creamgarden, 2002) o el fundamental "Risk" (mini-CD, Mego, 2004): trece secuencias abrasivas masterizadas en Colonia por Marcus Schmickler (Pluramon) en las que las máquinas parecen trabajar siguiendo su propio instinto caótico.
Gert-Jan Prins está entre ese grupo de músicos electrónicos que han dotado al campo de la improvisación de una nueva energía formal. Buena muestra de ello es MIMEO (Music In Movement Electronic Orchestra), el colectivo (casi podría calificarse de "supergrupo") creado en torno al legendario guitarrista de AMM Keith Rowe, del que Prins forma parte junto a otros artistas electrónicos como Fennesz, Marcus Schmickler, Rafael Toral, Peter Rehberg, Thomas Lehn, Phil Durrant, etc.
Más información Gert-Jan Prins: www.gjp.info - www.mego.at/gjp.html
Miércoles 5 de Octubre - 21'15 h Exp'05 Programación

gameboyzz orchestra project

fotos: Tomasz Gacek

Gameboyzz Orchestra Project (Polonia) es un proyecto audiovisual de carácter experimental basado en el uso de la GameBoy como instrumento musical. La intención es crear en vivo un nuevo espacio sonoro construido con los sonidos generados desde la consola. En contraposición al infinito despliegue tecnológico de hoy en día, en esta actitud de reduccionismo minimal de Gameboyzz Orchestra Project hay una fuerte carga de ironía y fetichismo retro acorde al lema "low tech music for high tech people" que caracteriza el trabajo de los artistas que conforman el proyecto Micromusic (www.micromusic.net): artistas fans de las viejas consolas de vídeojuegos y de ordenadores de la prehistoria informática como Atari, Spectrum, Commodore...
Dentro de este panorama micropop-microelectrónico, Gameboyzz Orchestra Project representan la vertiente más experimental, independiente y radical del mismo, más abierta a la improvisación ruidista en oposición al aspecto más pop que representan en el otro extremo sellos como el del colectivo 8bitpeoples (www.8bitpeoples.com).
En su uso musical, la GameBoy funciona como un sencillo sintetizador analógico que conectado al software adecuado puede actuar como una caja de ritmos o una groovebox. El software empleado está diseñado específicamente para la GameBoy: multipistas, secuenciadores, juegos, etc. El interface de la consola es mínimo por lo que las estructuras sonoras deben ser también muy simples. Esta es precisamente una de las razones por las que Gameboyzz Orchestra Project está formado por seis componentes: cuantos más instrumentistas más rico y complejo puede resultar el armazón sonoro.
En su caso, el resultado musical es similar al de una microapisonadora de juguete poniéndolo todo patas arriba: demoledor y divertido a partes iguales (su tema "Polish Tank!" es buen ejemplo de ello). El punto de partida puede ser por ejemplo un pequeño sample de uno de sus vídeojuegos favoritos para a partir de ahí improvisar un aquelarre de ruido y microchatarra.
Creado en 2001, el grupo está actualmente compuesto por Jaroslaw Kujda (líder, compositor, solista), Pawel Janicki (productor, Vj, compositor, solista), Mariusz Jura (solista, compositor), Malgorzata Kujda (solista, compositora, fotógrafa), Agnieszka Kujda (solista, compositora) y Tomasz Prockow (solista, compositor). En directo sus shows podrían perfectamente denominarse como... antiperformance: me explico, no se mueven en absoluto, permanecen sentados con la GameBoy en sus manos y cara de absoluta concentración (¡no es para menos!). Mientras tanto el sonido es acompañado por vídeoproyecciones, ambientes de luz, humo, etc.
Aparte de un buen número de temas descargables en MP3 (disponibles en su web y en otras), Gameboyzz Orchestra Project publicaron en 2002 el CD "Lajv_ad_hom" (en el sello Mik Musik !). Además el grupo ha actuado en un buen número de festivales europeos como Read_Me 1.2 - Artistic Software Festival (Moscú, 2002), Ars Electronica Festival (Linz, Austria, 2002), Moeblierte Kindheit (Dusseldorf, Alemania, 2003), Exit Festival (Paris/Creteil, 2003), Club Transmediale.03 - Go East (Berlín, 2003) y Transmediale.03 - Play Global! (Berlín, 2003).
Más información Gameboyzz Orchestra Project: www.gameboyzz.com
Sábado 8 de Octubre - 21'15 h Exp'05 Programación

truna

fotos: Begoña Tena

Antes de comenzar su andadura en solitario como Truna, el valenciano Andrés Blasco participa desde muy joven en diversos proyectos musicales. Entre los más relevantes cabe citar a Carmina Burana, banda de rock fronterizo que durante diez años trabajaron activamente publicando con diferentes discográficas y realizando numerosos conciertos en España y Europa (Bienal de Arte, 1990 - Tesalónica, Grecia). Su posterior colaboración será con Fitzcarraldo, donde comienza a gestar un lenguaje musical más personal mediante el collage próximo a la experimentación, editando el disco "Granero Responde Ovejas" (CD, Por Caridad, 1994) y realizando varias giras por España y Francia. Posteriormente se traslada a Bélgica durante cuatro años donde trabaja plenamente la experimentación sonora y creación de nuevos instrumentos con el dúo King Kong.
Desde 1999 reside de nuevo en Valencia y su trabajo se ha ido centrando de manera especial en dos áreas: creación de nuevos instrumentos como luthier electrónico y composición de un lenguaje sonoro y musical particular, fruto de la experimentación total a partir de instrumentos clásicos (chelo, contrabajo, guitarra, órgano...), sampler e instrumentos inventados. Estos nuevos instrumentos funcionan como esculturas sonoras que Truna también dispone como instalaciones interactivas, invitando al espectador a que toque e interprete con ellas.
Su faceta musical se extiende a otras áreas como la danza, colaborando en diferentes espectáculos, y la creación de piezas de encargo para diferentes artistas y exposiciones. También ha mostrado sus obras en diferentes espacios expositivos y encuentros de arte (Ciclos de la Sala Naranja 2000-04, Valencia; Museo de Arte Contemporáneo de Alicante 2003; Encuentro de Arte Público de Ribarroja 2004; galerías de arte en Bruselas y Lieja en 1997...).
Recientemente ha presentado su último trabajo Zoonírico en el festival Escena Contemporánea en el Círculo de Bellas Artes (Madrid) y en el Festival Nits d´Aielo i Art, ambos dirigidos por Llorenç Barber.
Experimentaclub'05 es una cita obligada para descubrir a Truna y su talento, su inventiva desbordante (poética, humorística, dadá), el personalísimo universo de juguetes musicales de este luthier electrónico tan especial.
Más información Truna: www.truna.es.tt - experimentaclub data
Sábado 8 de Octubre - 20'30 h Exp'05 Programación

alain wergifosse

En Experimentaclub'05 Alain Wergifosse, mercenario muzak y masticador sonoro, presenta Reflex-Dicroïq, en sus propias palabras: "modulación nerviosa y precipitación plasmática de iones autistas en cinco o seis paisajes enfermizos de cromatismo venenoso (sonoridades extraídas del choque de unos cuantos fotones contra la materia en descomposición de una masa gelatinosa en minúsculos movimientos vibratorios de extrema violencia)".
Belga, aunque afincado en Barcelona, Alain Wergifosse ha desarrollado una larga carrera en el campo de la creación electrónica en tiempo real, improvisación en vivo a partir de fuentes de sonido como aparatos, objetos, ambientes naturales, instrumentos y músicos. Todo ello contraponiendo a la idea común de sampleo convencional el uso radical de la transformación y manipulación como herramientas de trabajo.
Su currículum presenta una extensa lista de colaboraciones en conciertos y discos con nombres como Cluster, Macromassa, Hiroshi Kobayashi, Martin Hug, Sergi Jordá, Nad Spiro, Albert Giménez, Pelayo F. Arrizabalaga, Joan Saura, Enric Cervera, Música Veneno, Alfredo Costa Monteiro y Dj Zero entre otros.
Entre sus muchos proyectos destaca el combo de improvisación salvaje Obmuz, "power trio" junto a Eli Gras (bajo) y Quicu Samsó (batería) en el que Wergifosse aporta los componentes electrónicos. Además ha compuesto la música para la obra de teatro multimedia "Afasia" y para la instalación interactiva "Epifanía", ambas de Marcel.lí Antúnez (ex-Fura dels Baus).
Pero sin duda es "Deep Gray Organics" (CD, Geometrik-Microgama, 1999), uno de los mejores discos de electrónica experimental editados en nuestro país, el trabajo más significativo de Alain Wergifosse: once improvisaciones, la mayor parte de ellas grabadas en vivo entre sesiones de ensayo de Obmuz, en las que Wergifosse combina de forma espontánea, jugando con el azar, armonías, distorsiones e insólitas secuencias rítmicas. Complejas atmósferas electrónicas, densas, de gran riqueza tímbrica y fuerza expresiva, oscuras y claustrofóbicas unas veces y delicadas e introspectivas otras.
Más información Alain Wergifosse: experimentaclub data
Jueves 6 de Octubre - 20'30 h Exp'05 Programación

victor nubla

Victor Nubla, quien ya actuó en directo en Experimentaclub'00 junto a Antón Ignorant y que ahora lo hace en 2005 con una muy personal sesión como Dj, es una de las figuras más relevantes de la música experimental de nuestro país. Inquieto como pocos artistas, Nubla es músico, teórico, ensayista, activista de la experimentación, escritor, ideólogo, programador, Dj ocasional, editor, agitador en suma, cuya trayectoria es parte fundamental de la escena de vanguardia barcelonesa de los últimos treinta años.
Nubla fue junto a Juan Crek uno de los miembros originales de Macromassa, grupo fundado en 1976, experimentando con modificaciones electrónicas de los instrumentos de viento y la voz a través de una muy particular lectura del rock, el jazz, la música industrial, el noise y el minimalismo. La dilatada trayectoria de Macromassa llega hasta 1997 con la aparición de su último disco "Puerta Heliogábal". Más de cuarenta grabaciones y cien conciertos fueron el producto de esos veintiún años de creación libre y radicalmente personal.
Su trabajo en solitario comienza en 1980 fundando el Laboratorio de Música Desconocida y trabajando en el campo de la improvisación, la experimentación electrónica, ambientes sonoros, instalaciones y música para cine, vídeo, teatro y danza contemporánea. Tras publicar en 1986 "Delirio de Dioses" junto a Antón Ignorant (LP de una sola cara, Frenetic Records) y ya en 1993 asociarse con Pelayo F. Arrizabalaga para grabar juntos "Galvana", Victor Nubla inicia en ese mismo año 93 una nueva fase de reflexión y conceptualización acerca de su trabajo creativo, centrando su investigación alrededor del procesado electrónico de los instrumentos de viento, diseñando sistemas encaminados a permitir tocar los clarinetes (su instrumento original) sin necesidad de soplar ni manipular los mismos, obteniendo al mismo tiempo sonidos complejos y controlados en todos sus parámetros. Estas técnicas son desarrolladas en sus actuaciones en solitario hasta 1995, produciendo con los clarinetes una amplia muestra de sonidos insólitos en tiempo real.
Es en este año 95 cuando aparece el primer disco del proyecto MCO ("Método de Composición Objetiva"), cuyo origen data de 1987: un proyecto de construcción de sonidos utilizando como sistema el azar y el sampleo sonoro. Motivado por la aparición de este primer trabajo discográfico de la serie, Nubla decide darle continuidad al proyecto hasta la fecha de hoy. "Piedra Nombre" (95, editado por G3G, grabado entre 1989 y 1992), "La vía iluminada" (99, Zanfonia), "Elogio de la misantropía" (99, Zanfonia, al igual que el anterior incluyendo grabaciones hechas hasta 1997), "El blando recibo de las especies" (99, Zanfonia, con material grabado entre 1998 y 1999) y "Sleca" (2000, álbum sólo disponible en formato mp3 publicado por Experimentaclub y Vitaminic dentro de la colección "Discos Virtuales"), fueron los cinco primeros volúmenes de esta serie.
Ya en la nueva década, Nubla ha compaginado la continuación de estos trabajos en solitario con el desarrollo de otros proyectos conjuntos como Dedo (junto a Io Casino). "Seven Harbour Scenes", "Neige" y "Empuries", todos editados a través de su sello Hronir Label, han sido sus últimos trabajos en solitario. Con Dedo ha publicado dos álbumes: "Momento Cero" (2003) y "Avatar" (2004), ambos también en Hronir Label. También ha realizado un CD con Tibetan Red ("Tao Point", Hronir Label) y otro más con Robin Storey: "About Breathing" (Caciocavallo / Soleilmoon).
Victor Nubla es además fundador de Gràcia Territori Sonor (proyecto trans-europeo ideado para la circulación de artistas, ideas y música no habituales a través de las ciudades europeas). Entre sus actividades destaca especialmente el Festival LEM de Barcelona.
Más información Victor Nubla: www.hronir.org - experimentaclub data
Domingo 9 de Octubre - Dj - 19 h Exp'05 Programación

a cunt on fmol

A Cunt On Fmol es un proyecto de Barcelona centrado en explorar la combinación de la improvisación electrónica y acústica. La formación con la que A Cunt On Fmol actuarán en Experimentaclub'05 es: Cristina Casanova (FMOL synt), Oscar Celma (guitarra y bajo), Marc Viaplana (guitarra), Quico Samsó (batería, sustituyendo aquí al habitual Eugenio Tisselli) y Josep M. Jordana (vídeoproyecciones).
Cristina Casanova (que también ha formado parte del FMOL Trio junto a Sergi Jordà y Pelayo F. Arrizabalaga) conduce este choque de sonidos entre electrónica (vía FMOL, Faust Music On Line, sintetizador software desarrollado por Sergi Jordà y Toni Aguilar) y acústica expuesta a través de las guitarras del tándem Oscar Celma / Marc Viaplana y los juegos de percusión de Tisselli. Todo ello sin olvidar la aportación visual de Josep M. Jordana.
En sus propias palabras, el grupo nació con la intención de "cortar, mezclar e imbricar la improvisación electrónica y la acústica". Intenciones perfectamente desarrolladas en sus dos CDs editados hasta la fecha, dos convulsos ejercicios de improvisación electrónica con guitarras y percusión grabados en directo: "A Cunt On Fmol, Two Pricks On Guitar And Some Biriba Sounds" (Hazard Records, 2004; como cuarteto con Cristina Casanova, Oscar Celma, Marc Viaplana y las percusiones y berimbao del multiinstrumentista chileno Cristian Sotomayor) y "A Cunt On Fmol: Lem11s" (Hazard Records, 2005, grabado con la actual formación).
Más información A Cunt On Fmol:
www.arrakis.es/~ccs/hazardrecords/artists/acuntonfmol.htm - experimentaclub data
Miércoles 5 de Octubre - 20'30 h Exp'05 Programación

dargelos

foto: Albert Mollón	foto: Yolanda Canut

Dargelos (Adrià Lloris) es uno de los artistas más prometedores de la nueva escena experimental de Barcelona. Hombre-sampler por antonomasia, Dargelos utiliza este aparato con la libertad y la capacidad para la sorpresa como mejores armas, prescindiendo de secuenciador para dejar que las muestras loopeadas fluyan con la irregularidad como elemento perturbador, haciendo del caos y la incertidumbre ingredientes básicos de su menú sonoro.
Este espacio para lo inesperado, para construir estructuras a partir del error, del loop imperfecto o de la yuxtaposición de elementos aleatorios, hacen de su música un carrusel orgánico de sensaciones que tropiezan unas con otras: crujen, se dispersan, chocan, se rayan, se rompen... El gran hallazgo de Dargelos es su equilibrio entre estos elementos y unas microestructuras melódicas y rítmicas que atan mínimamente a los mismos. Es un discurso lleno de párrafos pequeños que musicalmente van de lo meramente contemplativo a la tensión repetitiva más inquietante.
Adrià Lloris formó parte de Mint 400 hasta finales de 2003, grupo de rock experimental por el que también pasaron dos de sus colaboradores habituales: Ramón García (Beef) y Toni Campoy (Camping). El antecedente directo de Dargelos fue una maqueta grabada bajo el nombre de C' mon en la que utilizaba sólo los samplers para acompañar la voz de Toni Campoy. Ya como Dargelos se presenta en directo en el festival LEM 2003 de Barcelona. Finalmente en 2004 aparece "Dal sottofondo", CD autoeditado lleno de recovecos sinuosos, giros impredecibles y atmósferas cinematográficas de suspense...; resumible en temas como los sucesivos "Cadaqués" y "Kentucky", de la expansiva languidez perezosa del primero a la tensión psico-rítmica del segundo. Un trabajo excelente que le confirma como una de las propuestas realmente sólidas y con futuro del nuevo panorama experimental de nuestro país.
Más información Dargelos: experimentaclub data
Viernes 7 de Octubre - 20'30 h Exp'05 Programación

emil (deli.kolder madrid / berlín)

foto: David Lee	foto: Claudia Ortiz

Emil (Holger Emil Bange), historiador de arte, periodista y Dj, es además fundador y director de la distribuidora discográfica madrileña Deli.Kolder, creada en 2003.
En 1990 Emil comenzó a pinchar en su ciudad natal Frankfurt/Main. Sus inicios como Dj estuvieron marcados por la música negra: jazz, funk, soul, hip-hop o dub, y más tarde también trip-hop y house. A mediados de los 90 hizo una escapada de un par de años hacia el easy listening, el beat y el pop de los 60. Coincidiendo con su mudanza a Berlín en el año 1997, descubrió el minimal-techno de Colonia y empezó